Hot Fuzz: Edgar Wright, Simon Pegg, Nick Frost e il resto dell’allegra combriccola si ritrovano per bissare l’inatteso e meritato successo di Shaun of the Dead; questa volta niente zombie, ma poliziotti duri e puri. Fuzz e’ una parola poco gentile per chiamare gli sbirri: Simon Pegg e’ il miglior poliziotto di Londra, così bravo e dedicato da mettere in cattiva luce tutti gli altri poliziotti e meritarsi una promozione non rifiutabile con annesso trasferimento nel paese con il più basso livello di criminalità in tutto il Regno Unito. I villici lo faranno presto andare giù di testa, ma dietro la pacifica e rustica vita del Miglior Paese Inglese si nasconde un oscuro segreto. Il gruppo di attori-scritto-registi va avanti tra un successo e l’altro, almeno in UK, da quasi quindici anni: insieme fin dagli esordi televisivi in varie sit-com (Spaced mi pare sia stata vista anche in Italia ma non ci giurerei), poi al cinema dove e’ arrivata finalmente l’occasione per esportarsi su un più ampio circuito di vendita; semplicemente unici nella riuscita impresa e operazione di trasportare quella comicità british da serie tv, il celebre humor, nel contesto cinematografico adottando con soluzioni di imperitura originalità il genere della parodia sfruttato secondo temi e stili completamente altri da quelli abitualmente utilizzati dalla commedia americana. Persone normali messe in situazioni al limite del surreale e libere di agire come nei più sfrenati e sfigati sogni dell’impiegato medio: un delirio metacinematografico dove la comicità viene dal veder agire queste persone comuni come gli eroi dei film; se in Shaun of the Dead ovviamente i riferimenti dei protagonisti erano tutti tesi alla cinematografia horror, in Hot Fuzz niente vieta a Pegg e Frost di comportarsi come i Bad Boys o come gli immortali eroi di Point Break in un villaggio dalle mal celate reminiscenze da Number 6. Il film e’ pieno di finezze: i riferimenti autocitazionistici a Shaun, la cura dei dialoghi, gli effetti visivi splatter, le coreografie delle sparatorie. Nota a margine: l’edizione a due dischi del dvd e’ sontuosa con un numero di contenuti speciali impressionante comprese tantissime scene eliminate e persino un vecchio cortometraggio del regista.

Fantastic Four - Rise of the Silver Surfer: il primo film dei fantastici 4 non era poi così schifoso, specialmente dopo averne visto il seguito. Combattono ancora meno, sono tutti ancora più insopportabili: la Cosa sembra ritardato, quando la Donna Invisibile usa i suoi poteri sembra sofferente per delle enormi emorroidi, la Torcia Umana e' insulsa e Mr. Fantastic possiede i peggiori effetti speciali vistisi in un film Marvel da quando hanno cominciato a fare i film Marvel. Non e' brutto quanto Daredevil o stupido quanto Ghost Rider ma in quanto a noia li batte tutti correndo all'indietro sulle mani. Non combattono mai, quando lo fanno c'e' da addormentarsi, quando parlano ci si addormenta: non voglio dire niente su Silver Surfer, quello non e' Silver Surfer, e' un niente. Avrebbero potuto farlo fumoso e nuvoloso come Galactus ottenendo lo stesso stupido risultato.

Ultimate Avengers 2: inferiore al primo in ogni campo, sceneggiatura e animazione. Solito staff pescato tra i recessi dell'animazione televisiva americana degli ultimi decenni per una storia ''originale'' che, senza ispirarsi al reale fumetto, stenta a decollare perdendosi poi in una serie di vistose ingenuità e un target visibilmente più infantile. Ci sono gli stessi alieni della prima avventura; la trama però, questa volta, si accompagna all'entrata in scena di Pantera Nera. Probabilmente nella più squallida versione mai data di questo personaggio: un vero smacco per un character che negli ha visto un progressivo aumento di fama e profondità dal lancio della linea Marvel Knights fino al matrimonio con Storm degli X-Men.

Doctor Strange: concludiamo la full immersion nei cartoni Marvel con il secondo capitolo ''origini'' dopo quello dedicato a Iron Man. Questa volta e' il tempo del Mago Supremo di raccontare un po' di se' e di come, da Tony Stark del bisturi si sia trasformato nell'Iron Man della magia: le idee scarseggiano. Il personaggio e' fortemente reinterpretato, e così i suoi classici comprimari e nemici. Per lo staff vale quanto detto per tutti i film successivi al primo Ultimate Avenger: la riduzione di budget ha fatto buon gioco a quei poveretti rimasti scottati o appena appena apparsi durante le tante sfortunate serie televisive americane. L'animazione al solito e' di fattura coreana e si vede, senza raggiungere i livelli di squallo di Iron Man. Perdita di tempo.

Giungla di Cemento (Concrete Jungle, 2004): inizialmente apparso all'interno di The Atrocity Archives insieme all'omonimo racconto breve, questo romanzo breve di Charles Stross, vincitore dell'Hugo, racconta una delle prime avventure di Bob Howard, spia del dipartimento occulto del servizio segreto britannico. Stross e' un altro dei ''giovani'' autori inglesi a cavalcare le nuovi correnti tematiche ed espressive, catalizzando la propria attenzione sullo svolgimento e la logica narrativa l'autore riesce a evidenziare la propria capacità sintetica raccontando un'intrigante investigazione paranormale scartando tutte le parti morte e selezionando solo le scene più vive e interessanti. Mitologia classica e l'informatica più moderna si fondono in una vicenda che, parodiando James Bond, offre nella sua breve durata uno scorcio di grande originalità descritiva pur approcciandosi al nascente filone neo-poliziesco velato d'orrore e pizzicato da un forte sapore di Zona Crepuscolo., che ha già consumato illustri vittime tra i comics: Vampire Unit, Occult Task Force e via dicendo, per non parlare poi di Supernatural. Sfizioso antipasto che non mancherà di attirare i lettori verso più corposi romanzi, anch'essi, casualmente, di recente pubblicazione.

Karakuri no Kimi: OAV del 2000 coprodotto da Shogakukan, TMS e Toho, basato sul manga omonimo di Kazuhiro Fujita (Ushio e Tora, Karakuri Circus). Character design e regia d'esordio per Hirotoshi Takaya, direzione artistica di Kazuhiro Arai: da metà anni '90 in poi gli OAV singoli sono quasi sempre garanzia di obrobrio, qui ci troviamo a d'avanti alla rara eccezione. Un ninja senza padrone viene assoldato dall'ingenua figlia di un Lord ucciso per proteggerla durante la sua missione vendicativa, la ragazza e' maestra nell'uso di pupazzi da combattimento: poi ripresi dall'autore originale in Karakuri Circus e divenuti oltremodo noti grazie a Naruto. L'animazione e' piacevole, fluida e ben inquadrata: lo stile estetico tra il vagamento orrorifico e l'inutilmente comico si confondono fornendo una resa particolare e curiosa al tempo stesso; lo si potrebbe facilmente confondere con la massa di produzioni simili che hanno ammorbato gli ultimi decenni, ma sarebbe un torto: dialoghi brillanti, belle scene d'azione con ottime coreografie, persino un paio di colpi di scena imprevedibili. Un gioiellino nascosto nel fango dell'appartenenza di genere.

Tenacious D in the Pick of Destiny: ovviamente viene da fare un piccolo paragone con i Blues Brothers, piccolo e scontato ma inevitabile. Jack Black e Kyle Gass sono entrambi attori, comici e formano realmente il duo rock Tenacious D: una serie tv alla fine degli anni '90, tour e concerti, apparizioni al Saturday Night Live sia come conduttori che come ospiti, o tutte e due le cose insieme, due album e il presente film. Più altre cose di là da venire. Tralasciamo i successi musicali come Tribute e Fuck Her Gently e concentriamoci sul film vero e proprio: scritto dalla coppia stessa e diretto da un bravo legato allo staff produttivo del gruppo. Perché dovreste vedere il film, ovviamente in lingua originale? Non importano le ottime musiche, i testi deliranti, le tante celebrità facilmente attratte dal classico stile del progetto (Meat Loaf, Dio, Grohl e tanti altri), le volgarità gratuite, i concerti immaginari, lo slapstick, i rutti, le scoregge; non frega niente neppure che il film faccia spataccare dall'inizio alla fine, più o meno. Jack Black e' l'eroe degli sfigati, e' il rock e il sogno americano: da School of Rock a Nacho Libre e' il difensore degli oppressi, di quelli nati con una marcia in meno, il guerriero che combatte contro le case discografiche e lotta per il puro e duro rock da garage. Questo, e il bambino che interpreta il giovane Jack Black: solo quello vale tutto quanto. Poi c'e' la storia del tatuaggio. Bello rivedere quel cinema con gli attori che si calano le braghe e si mostrano in tutta la loro disgustosa presenza senza ritegno o contegno, sembra di tornare negli anni '80 e fare un salto da Porkys: Tenacious D e' tutto ciò che un fan tradito del Kevin Smith di Jay e Silent Bob potrebbe desiderare in un film, e' il delirio e lo spirito di cose buone di vecchie decadi tornato a tormentarci e farci capire, insieme a Black, quanto siamo invecchiati e cosa ci siamo lasciati dietro. Per fortuna. Eyeliner, maglie a rete. Giusto come curiosità: alcuni elementi del film vengono ripresi dai video musicali, il duo sa di dover creare un merchandise e simboli riconoscibili. Fanno tutto bene: visto il film vorrete i dischi, sentiti i dischi vorrete i video... la serie Tv non la trovo ma so che la grande rete non mi tradirà.

The Invincible Iron Man: terzo film d'animazione per la Marvel dopo i due dedicati agli Avengers (il secondo prossimamente) e vistoso calo d'impegno produttivo. Nei suoi noiosi meno di 90 minuti vediamo assemblaggi di scene prodotte da vari studi semi professionistici coreani, poi assemblate in un semi amatoriale patchwork di stili e qualità che vanno dalla pseudo animazione in flash alla pura vergogna manhwa, dalla rigida CG dilettantesca da comiket a qualche sprazzo di decenza. La storia dovrebbe rivisitare l'origine di Iron Man presentando il solito noioso Tony Stark fannullone e sbattendolo in Cina a farsi fare il culo e costringere al supporto meccanico della futura armatura, parallelamente il ritorno in vita del Mandarino: qui rappresentato come un vecchio signore della guerra del passato sigillato in un antica città perduta. Lo staff e' pescato in giro mettendo insieme poveretti passati per caso durante la realizzazione di un episodio di spiderman o di un altro cartone. Vergogna ++.

Ultimate Avengers: visto che a breve, parliamo di poche settimane, la DC Comics metterà in vendita il primo nato del suo progetto di animazioni direttamente per il dvd (Superman: Doomsday), mi è sembrato giusto andare a vedere le origini di questo nuovo lancio a cartoni. L'anno scorso la Marvel decise di varare una serie di produzioni per il mercato home video prendendo ispirazione dal grande successo derivato dalla sua linea Ultimate: i lettori dei fumetti avrebbero chiamato questo dvd Ultimates, ma la casa editrice preferì non rischiare con il nome ancora poco diffuso e provare invece un apocrifo che mescolasse sia il concetto Ultimate sia la classica identificazione del super gruppo, da cui Ultimate Avengers. In teoria il cartone ripercorrerebbe il primo story-arc del fumetto, in realtà dati i contenuti estremi dello stesso ne offre una versione fortemente edulcorata e riveduta inserendo alieni malvagi e marcando la mano sul ritrovamento del corpo di Captain America e la formazione degli Ultimates, degli Avengers. Al timone produzione-regia Bob Richardson, già su vari cartoni di Spider-man, Max Steel e, soprattutto, il vecchio cult Dungeons and Dragons; sceneggiatura di Greg Johnson, anche lui varia esperienza in cartoni americani, nome che impareremo a ricordare visto che la Marvel gli ha affidato la scrittura di TUTTI i suoi cartoni, quindi anche del successivo Ultimate Avengers 2, Iron Man, Doctor Strange: ha proprio vinto il jackpot. Il film e' una coproduzione Marvel e Lionsgate: entrambe le società possiedono settori per la produzione d'animazione, la Marvel ne ha uno interno mentre Lionsgate si affida a dei canadesi, tuttavia ritengo che gran parte dell'animazione reale sia stata disegnata dai soliti mercenari coreani (si parla dello Studio Dong Wu). Il risultato e' buono, molto fluido, begli effetti speciali, dettagli di qualità: pur restando nel contesto scarno tipico del genere. Gli eroi sono tutti buoni, solo Hulk viene mantenuto leggerissimamente border line: mancano quasi interamente le caratteristiche mature dell'originale sceneggiatura di Millar, prevedibilmente. Tuttavia un certo sforzo per non fare qualcosa di banale e per bambini si vede: Ultimate Avenges e' addirittura vietato PG-13 per alcuni combattimenti un pò duri, niente sangue però non preoccupatevi. Poteva essere molto peggio, inoltre la recitazione e il doppiaggio sono stati ben fatti quindi alla fine si tratta di un cartone godibile.

Wings of Rean (episodi 1-6 serie completa): Tomino torna ancora una volta a raccontarci del mondo del Dunbine con questa nuova serie di OAV, quarta incarnazione del brand. Altro esempio di quel fantasy fantascientifico di cui parlavamo pochi post indietro (per il post sulla vecchia serie tv invece dovrete cercare molto più indietro per il blog). Sunrise realizza un prodotto animato decisamente bene e molto superiore ai suoi normali standard: Tomino dirige e scrive, il character e' affidato a quel Masashi Kudo che ha raggiunto improvvisa e sontuosa fama per il suo lavoro su Bleach; direzione artistica per il veterano Ikeda e mecha realizzato da una coppia inconsueta: da una parte Takumi Sakura, collaboratore di Tomino su Turn A e Brain Powered, dall'altra Tamotsu Shinohara, designer di tanti Kamen Rider. Il risultato e' un'opera dalla fortissima personalità estetica con i robot insettoidi classici del marchio ancora più estremi e dettagliati tanto da renderli facilmente detestabili o adorabili: stesso discorso per i personaggi e gli sfondi, artisticamente e' un cartone di grande spessore e resa stilistica ma in certi casi sfora un preziosismo non necessario affiancato ad alcuni cali nella fluidità della rappresentazione fortemente stonati con la bellezza delle scene robotiche e di alcune delle statiche. Andrebbe comunque guardata solo per avere la dimostrazione di vita sul pianeta giappone. La storia lascia molto a desiderare: solite menate con teletrasporto tra la Terra e il mondo degli Aura Battler, e ritorno; solite caratterizzazioni di terrestri divenuti eroi nell'altro mondo e caduti vittima di megalomanie varie. A movimentare un pò la ripetitività del soggetto c'e' un'insulsa storia d'amore e un paio di stivali magici che neppure le scarpette di Oz. Finale insensato e neppure particolarmente in liena con i grandi filoni del Tomino pensiero. Un bel artbook animato.

Megumi no Daigo: nel 2000, per motivi misteriosi, la Sunrise decide di produrre un mediocre OAV di neppure 45 minuti dedicato ai vigili del fuoco. L'animazione e' mediocre, così regia e trama: a sorprendere però e' il soggetto e la sceneggiatura. Daigo e' uno spericolato vigile del fuoco che non pensa un attimo a infrangere le regole e i codici d'azione per salvare le vite di persone in pericolo, e' un eroe nel senso umano del termine che dall'11 settembre piace tanto sottolineare: fin qui niente di strano. Il problema e' che, confrontando Daigo, sempre pronto a rischiare in prima persona per adempiere al proprio dovere, con gli altri pompieri il risultato e' quello di gettare ombre e sollevare pensieri poco grati e indubbiamente scorretti sulla devozione e l'impegno del Corpo. In sintesi Daigo e' super e da solo potrebbe spegnere tutti gli incendi del mondo, gli altri sono delle chiaviche perché rispettano le regole, hanno paura del fuoco, se la fanno sotto d'avanti al pericolo e non muoverebbe un passo per salvare una vecchia o un gatto. Gli altri vigili del fuoco sono buoni, non sono malvagi o corrotti, semplicemente non hanno le palle di Daigo. A vederlo oggi, dopo il World Trade Center: dopo canzoni, fumetti, libri, film e qualsiasi altra forma possibile di lode e incoraggiamento e ammirazione per il loro lavoro, questo cartone fa ridacchiare perché divenuto involontariamente politicamente scorretto, e non ci si stupisce di non averlo mai visto fino a ora.

Grey - Digital Target: ogni tanto recupero con gioia vecchie animazioni degli anni '80, in questo caso 1986, per godere dell'intramontabile fantascienza giapponese che per prima mi fece appassionare all'oriente. Qui parliamo del ''film'' tratto dal celebre manga portato in Italia dalla fu Granata Press: in un distante futuro la Terra e' divisa in città stato continuamente in lotta tra loro, gli abitanti sono costretti ad arruolarsi nei rispettivi eserciti nella speranza di guadagnare abbastanza punti per diventare cittadini e godere di lusso e figa. Il protagonista, Grey, amava una donna, Lips, che voleva diventare cittadina, si arruolò e crepò in battaglia; Grey decide di arruolarsi anche lui e in breve tempo guadagna un sacco di punti grazie alla sua straordinaria capacità di sopravvivere: i suoi compagni cominciano a chiamarlo ''Morte'' perché tutti quelli intorno a lui muoiono come mosche, e pure perché e' parecchio stronzo. La trama prosegue inserendo l'elemento ''resistenza'' in opposizione al sistema delle città. Come in molta dell'animazione del periodo i toni sono duri, non c'e' scampo e il finale è tragico (e aperto). Se non fossero sepolti in cantina mi verrebbe quasi voglia di rileggere i manga.

Grifter - Midnighter: sei numeri scritti da Dixon e disegnati da un eccellente Ryan Benjamin che meriterebbe di essere visto molto più di frequente sulle pagine dei fumetti e meno impegnato nei suoi trip ulteriori, un simpatico team-up tra i due peggiori badass dell'universo Wildstorm alle prese con un'invasione aliena e una misteriosa donna. Chuck Dixon potrebbe scrivere dormendo, le parole escono con libertà e giustezza senza paragoni: trame semplici, dialoghi divertenti, ottimi disegni. Tutto quello che questo genere di storie dovrebbero essere.

The Brave and the Bold: lo ammetto, e' sulla scia del successo delle varie collane Marvel Team-Up che alla DC hanno deciso di riportare alla luce una vecchia ammiraglia affondata, l'antologica per eccellenza, The Brave and the Bold. Per la storica occasione i testi sono stati affidati a Mark Waid, da sempre grande guru della continuity e quindi più illustre nome per affrontare lo spaziale numero di crossover richiesti dalla serie: sono però i disegni il vero pezzo forte, da tempo non vedevamo George Perez all'opera su una regolare e, anche se solo per i primi 12 numeri, il suo lavoro e' sempre una spanna sopra tutti. Il post lo sto scrivendo alla fine del primo story-arc di 6 albi che ha visto insieme Batman, Green Lantern Hal Jordan, Supergirl, il nuovo Blue Beetle, Lobo (a giudicare dal numero di apparizioni fatte e dalle prossime in programma non mi stupirebbe veder tornare il Main Man in un ruolo solista), Legion of Super Heroes e gli originali Challengers of the Unknown. Con lo stile di oggi le storie di ieri: la DC e' seriamente immersa nella sua convinzione di far rivivere il vecchio fumetti supereroistico, con i vecchi metodi e la vecchia sensibilità. Lode alla DC: dimostrazione che certi modi di fare sono immortali ed e' possibile produrre qualità senza dover subire i dettami della moda e delle correnti passeggere.

Black Canary: certe volte le storie si scrivono con l'accetta e si disegnano con i piedi. La miniserie di 4 albi seguito della conclusasi Green Arrow e necessaria a sistemare alcune sottotrame di Black Canary seguite alla sua uscita dalle Birds of Prey, e' una schifezza. Il tutto gira intorno a Sin, la bambina predestinata a diventare più grande di Lady Shiva, a riunificare la Lega degli Assassini dopo la morte di Ra's... cosa per altro inutile visto che nei prossimi numeri di Batman pare lo vedremo risorgere e prevedibilmente rimettere ordine al casino degli ultimi anni tra le sue figlie, Batgirl e tutto il resto. Comunque: la storia la scrive Tony Bedard che fortunatamente non sarà coinvolto con i personaggi in nessuna delle prossime uscite, né sugli speciali per il matrimonio né sulla regolare; i disegni sono di uno che disegna male. Per dovere di cronaca e per farvi rispiarmiare qualche soldo constaterò l'ovvio: chiunque frequenti un qualsiasi sito di comics originali saprà già che la DC programma per i prossimi mesi i suddetti speciali per il matrimonio tra Black Canary e Green Arrow, quindi non era un mistero né lo e' adesso che alla fine di questa mini Dinah opti per il sì; l'inutile Sin viene spedita al solito monastero per l'addestramento necessario a renderla un individuo produttivo: probabilmente la rivedremo, spero non presto. Quanto prima di vederla lottare con Batgirl?

Chronicles of Wormwood: queste serie della Avatar cominciano ad assomigliarsi un pò tutte tra loro, Ellis ne esce senza fare la solita bella figura ma solo per la ripetitività del soggetto; persino io mi sono stufato di vedere rappresentazione blasfeme e parodiche della Chiesa Cattolia, del Papa, del Dio dei Cristiani e di Satana... e in questo caso anche di Gesù Nazareno e l'Anticristo. I disegni sono comunque sempre buoni, alcuni dialoghi sono simpatici e alcune situazioni potrebbero ritrarre fantasie proibite di qualche lettore. Un Gesù rasta e lobotomizzato che beve insieme a un pigro Anticristo mentre il Papa si gode una delle sue famose orge e Satana cazzeggia e Dio si fa una sega. Non posso dire che alla Avatar non stiano iniziando a pensare in grande, le nuove serie parlano chiaro, ma forse sarebbe il caso di far rallentare un pò Ellis e dargli il tempo di ritrovare se stesso piuttosto che continuare a fargli scrivere soggetti su soggetti e mandare avanti 4, 5, 6 progetti alla volta da chissà quanti anni.

Luce dell'Universo (Light, 2002): nell'arretrato panorama italiano l'arrivo di questo romanzo e' realmente l'Evento che Urania ritiene di dover strillare dalla copertina del suo numero speciale, nonostante sia uscito da 5 anni l'opera di Harrison resta sospesa ben al di sopra della normale letteratura fantascientifica godendo di una tale, genuina, grandezza e strepitosa forza espressiva da godere di meriti e approvazione diffusa. M. John Harrison non e' un nuovo scrittore del genere, ma erano 25 anni che non si metteva alla prova con la sci-fi, quindi risulta facile vederlo in questo modo, e comprensibile: e' inoltre uno di quei pochi scrittori che da noi meriterebbero la postilla ''riduttivamente definito autore di fantascienza'' che spesso apostrofa alcuni bravi considerati indegni di tale definizione. Tra le esplosioni di entusiasmo qualche collega e qualche critico lo considerano uno dei migliori prosatori in lingua inglese attualmente in vita: a questo punto vale una piccola precisazione. Harrison e' inglese e proviene da quella corrente/movimento, New Weird, che conta China Mieville come proprio maggiore rappresentante (e a cui potrebbe aggiungersi l'outsiders Iain M. Banks): fondata per rinnovare di nuovo la ''letteratura speculativa'' colpevole di soggiacere da troppi anni lungo gli stessi binari stilistici e tematici; in America potremmo associare il tutto alla rivoluzionaria produzione di Dan Simmons. Strettamente fantascientifici ma indulgenti verso orrore e sangue, sensualità e, soprattutto, precisamente e decisamente votati a scrivere bene, con qualità e sforzo da smuovere e forzare al massimo fino a un parossismo di neologismi e costrutti logici estremizzati la lingua natia. Questi autori vivono infatti la curiosa situazione di subire critiche dal pubblico americano a causa della difficoltà di lettura: troppo inglese inglese, troppo poco inglese americano; due lingue sempre più divergenti e accomunate solo dal comune territorio commerciale. Veniamo al dunque: il romanzo segue 3 protagonisti alternandoli sistematicamente ognuno con il proprio capitolo dedicato. Il primo personaggio e' il fisico e serial killer Michael Kearney, 1999, prossimo a una crisi nervosa, in costante fuga da un essere terrificante che lo perseguita da anni e pronto alla prossima svolta epocale nella tecnologia con la creazione del primo computer quantistico; il secondo e il terzo protagonista vivono 400 anni dopo, ma in posti diversi: Seria Mau e' capitano di una Nave K, il più avanzato modello di astronave dello spazio, ed e' in fuga dai proprietari dell'astronave conducendo una vita da mercenaria; Ed Chianese e' un tossico in fuga dai suoi creditori. Sublime l'operazione di sceneggiatura portata avanti da Harrison: i motivi di contatto tra i tre sono ceduti con il contagocce, le trame sembrano costantemente divergenti eppure convergono implacabilmente. Il gioco di rivelazioni incrociate e' strutturato con intelligenza e sfacciata noncuranza, inoltre Harrison solletica la passione del fan con il più classico e amabile lavoro di rielaborazione degli stereotipi afferrando characters tipici del genere e affondandoli nella sua personale percezione concettuale e resa narrativa. I libri di fantascienza NUOVI veramente validi pubblicati in Italia negli ultimi sette anni si contano sulle dita di una mano e mezza: non ho mai richiesto un arretrato all'Urania ma mi dicono che sia ben organizzata e funzionale, oppure prendetelo in lingua originale (io lo sto rileggendo adesso e, per quanto la traduzione sia stata veramente ben scritta, si tratta di un altro livello).

Gundam Seed C.E. 73 - Stargazer: nel grande, come dimensioni, affresco sorto rapidamente intorno alla serie Seed di Gundam questa miniserie in 3 episodi da 15 minuti circa, distribuiti inizialmente su internet e recentemente raccoldi in dvd, si collocano come l'ennesima side stories raccontando una vicenda assai poco significativa accaduta a cavallo della versione Seed del colony drop. Un giovane pilota di Zaft e una ricercatrice impegnata nella realizzazione di un MS dedicato all'esplorazione dello spazio profondo grazie a una speciale tecnologia in stile vela solare. Nel mezzo qualche altro personaggio dalla breve vita: staff tecnico composto da seconde linee prese dalle serie principali, bravi professionisti senza le allucinazioni megalomaniache dei loro capi, impegnati in un simpatico prodotto assolutamente perdibile ma dignitoso, ben animato e con qualche dialogo fuori dai consueti canoni d'idiozia di Gundam.

Porco Rosso: non riuscivo a ricordare se avessi mai guardato Porco Rosso con i sottotitoli o meno; ricordo di averlo visto un paio di volte agli albori della scoperta italiana dei manga su vhs dalla qualità scadente e poi sui magnifici laser disk, ma sono convinto di averlo sempre visto privo dell'utile apporto dei sottotitoli. Quindi l'ho riguardato. Poche differenze: di tutti i film di Miyazaki questo e' probabilmente il più accessibile, concentrato com'e' sull'ambientazione visiva e sceneggiato con la massima leggerezza priva di messaggi e comunicati ecologici o sociali (salvo minimi accenni al fascismo, alla pazienza delle donne e alla maturazione dell'uomo), colmo d'azione e gioia come nei più delicati degli episodi di Conan. Giusto per la cronaca, ma non intendo soffermarmi: Porco Rosso e' il nome di battaglia di un celebre cacciatore di taglie, pilota d'idrovolanti in un'immaginario e meraviglioso bacino del Mediterraneo successivo alla Grande Guerra tra fascisti, pirati dell'aria, americani di ventura e bellissime cantanti. Porco era un uomo, poi colpito da una maledizione e trasformato in un maiale antropomorfo: finale enigmatico e positivo, tanti personaggi ottimamente caratterizzati e intrinsecamente comici. Solare, luminoso, privo di cattiveria o malvagità: ambientazione unica e originale, seppur perfettamente calata nei classici stilemi visivi del suo autore, musica squisita, grande caratterizzazione e una carica di significati difficilmente comprensibili causati dalla sua collocazione nella carriera di Miyazaki. A parte il perdibile video di On Your Mark, Porco Rosso e' stata l'unica opera del regista in un decennio, non a caso pietra divisionale tra la sua prima produzione degli anni '70 e '80, e il nuovo corso iniziato con Mononoke a fine anni '90.

L'Astronave Immortale (Old Twentieth, 2005): il Joe Haldeman di Guerra Eterna (ixb) nella sua nuova produzione millenaristica approda sulle pagine della regolare Urania con un romanzo molto facile, scritto con solidità ma vessato dalla totale mancanza di originalità e da una grezza superficialità nella resa della vicenda, compresi sfortunatamente sia i colpi di scena sia i suggerimenti sbagliati per deviare il lettore dalla comprensione anzitempo della trama. Immortali ormai da qualche tempo gli umani si annoiano e decidono di riprendere in mano l'idea del viaggio interstellare ai fini di colonizzazione: approntano una super missione di mille anni, selezionano l'adatto equipaggio, realizzano la complessa struttura astronavale e via motori al massimo. Protagonista della vicenda e' il responsabile della ''Macchina del Tempo'': sorta di ponte ologrammi alla Star Trek dove gli annoiati immortali possano rivivere momenti della storia principalmente per svago, proprio come in Star Trek. Ed esattamente come in Star Trek ci sono capitoli, diversi, per tutto il libro ambientati in un particolare periodo storico: il tutto platealmente strutturato come gli episodi di Next Generation in costume. Con qualche differenza naturalmente: come suggerisce il più sensato titolo originale, il periodo storico in voga e per la maggiore tra gli astronauti e' il 1900, anno per anno. Le motivazioni sono ben analizzate e riportate dall'autore, così come viene rappresentata con qualche lampo d'interesse la vita dell'uomo dietro il ponte ologrammi. Nel mezzo troviamo la solita estrema dilatazione temporale marchio di fabbrica di Haldeman e probabilmente richiestagli dall'editore, qualche problema di AI (brutalmente tradito dalla quarta di copertina), misteriose morti, qualche relazione interpersonale molto blanda e buttata nel mezzo solo come riempitivo, fino all'ampiamente prevedibile colpo di scena finale che fa il verso a tanta narrativa della simulazione. Haldeman non inventa, riprende e spolvera qualche concept già visto, lo avvolge nella sua piacevole scrittura e vende il tutto.

Shooter: da una parte Mark Wahlberg, ruolo da rambo per lui e proseguimento di una buona serie di film incoccati dal 2004, dall'altra Antoine Fuqua, dedicato ormai al suo ruolo di regista d'azione per film con protagonisti buoni che sono cattivi. Marky e' un cecchino, il migliore naturalmente: abbandonato dal suo comando durante una missione andata male, tornato a casa un filo incazzato abbandona la divisa per ritirarsi nel Montana a fare la vita dell'eremita (originalissima la situazione del veterano-montanaro); richiamato in servizio, incastrato per omicidio, in fuga considerato nemico della patria. Non ci sta e invece di concederci la classica trama d'inseguimenti per mezzo paese, il nostro decide di passare immediatamente alla controffensiva: un massacro. Ama la patria e uccide a sangue freddo. Il film e' onesto: ci sono delle belle donne ma non si spogliano, c'e' il cecchino ma la sua tattica non viene spettacolarizzata insensatamente; la sceneggiatura e' solida pur sciocca, Wahlberg e' indiscutibilmente adatto al tipo di personaggio: il cast di supporto fa il suo lavoro, il regista e' assente e invisibile. Nella massa dei film d'azione spicca solo per la scarsa qualità dei concorrenti, piazzandosi in una dignitosa mediocrità.

Il Pianeta dei Superstiti - Quattro in Uno (The Sun Saboteurs, 1961 - 4 in 1, 1953): in un recente Urania Collezione sono stati riproposti insieme due celebri pezzi di Damon Knight. Il pianeta dei superstiti e' un testo classico dedicato alle tante possibili ideali soluzioni dell'Impero Galattico Umano: nel futuro l'uomo ha raggiunto le stelle, ha conquistato le stelle comprese quelle posseduto da altre razze poi, incapace a gestire i propri difetti su scala interplanetaria, ha collassato venendo sconfitto e decimato. I sopravvissuti della gloriosa razza umana vivono ora ghettizzati su pianeta ospitali di alieni troppo distanti dalla mente umana per comprenderli ma sufficientemente evoluti e ultraterreni da non desiderarne l'estinzione: la storia si svolge principalmente nel Quartiere, il ghetto umano su un pianeta abitato da scarafaggioni intelligenti: tra greci e russi e cinesi i giorni passato alternando risse, inerzia e follia tra delusione esistenziale, rassegnata accettazione e fatalistica indifferenza, fino a sfociare nell'ultimo disperato tentativo di guerra napoleonica da parte di un esaltato, e del suo seguito, ex-militare. Xenofobia guerriera contro intellettuale vittimismo: il romanzo non offre fazioni in lotta votate al bene o al male, l'umanità rappresentata nel Quartiere e' uniformemente corrotta e desolata; i pochi sprazzi di altruismo e nobiltà che a volte accennano la testa fuori dal marasma crudele del ghetto servono solo come affermazione di un'ancora maggiore tristezza, non ci sono solo mele da buttare nel raccolto della cultura terrestre: ma ce ne sono talmente tante da rendere improbabile e infruttuosa una distinzione. Lo stile narrativo e' secco e rapido, senza giri di parole e, forte della rappresentazione panoramica con scarsi elementi fantastici, può dedicarsi centralmente a monologhi interiori e a rapidi cambi di situazione presentando in crescendo il deteriorato stato del Quartiere e dei suoi abitanti incalzandone i protagonisti con eventi aldilà della loro volontà salvo per l'ultimo esiziale e totalmente arbitrario e conclusivo accadimento a fine libro. 4 in 1 e' un breve e divertente racconto: 4 esploratori terrestri su un pianeta sconosciuto cadono nella trappola di una locale specie di vita, un grosso amebone da golden age della fantascienza; il mostro li assorbe in sé sciogliendone le parti per lui nutrienti e lasciando, sospese nella sua massa malleabile, i 4 cervelli e relativi sistemi nervosi: perfettamente funzionanti e coscienti. In poche pagine l'autore ci racconta vita e lotta dentro il mostro, curiosità, terrore, stupidità e l'incrollabile mito dell'adattabilità umana: racconto delizioso e fresco nella tradizione della fantascienza che naturalmente confida in poche pagine idee e pensieri privi d'accesso, per l'autore, a campi di maggiore respiro regalando spesso perle d'antologia troppo spesso segregate a contorno di meno interessanti e intriganti fratelli.

Ultima Speranza (The Last Best Hope, 1998): l'estate mi ha portato tra le mani, in prestito, un libro a caso di Ed McBain, forse il più noto pseudonimo del fu Evan Hunter, macchina da scrivere umana come pochi. Essendo l'ultimo libro della serie dedicata all'avvocato Matthew Hope, nonché in crossover con la più famosa serie dell'87° Distretto non si e' tratta propriamente della migliore scelta per iniziarne la lettura: in definitiva comunque non e' il mio genere, e' come un Harmony con la gente che muore e una cervellotica trama d'intrigo narrata alternando funzionalmente protagonisti e linee temporali. Non e' il mio genere e non lo diventerà. L'avvocato Hope viene assunto da una donna per trovare il marito scomparso da cui vorrebbe divorziare, entrano in scena gli investigatori associati all'avvocato e i poliziotti del nord: un gran casino dopo la storia finisce e ci si trova a chiedersi: embhé?.

Number 23: provando a rilanciare la propria carriera in grave stallo l'ex-acchiappa animali, ex-attore comico versatile al dramma Jim Carrey prova la strada del thriller-horror da troppi soldi e poca intelligenza diretto da Joel Schumacher. Un poliziotto degli animali con una vita perfetta seppur noiosa trova un libro, nel libro, pur con qualche differenza, sembra venir raccontata la sua vita: tema portante del libro e' il numero 23, cuore matematico di ogni puntino dell'esistenza. Immediatamente di grande effetto le ricorrenti, spesso nascoste, apparizione del numero 23 nel corso del film: detto questo il film e' una porcheria dalla sceneggiatura debolissima, interpretato molto male da tutto il suo cast, con pessimi dialoghi e colpi di scena ampiamente prevedibili e tristi. Non si salva granché, c'e' un bel cane, un bel tatuaggio: non si salva niente.

Lila Black - Comincia la Sfida (Quantum Gravity - Keeping It Real, 2006): alla ricerca di una nuova identità ripiegata sul fantasy dopo i recenti, sfortunati, flop editoriali per la sua sci-fi d'alto bordo la Fanucci tenta di non scontentare completamente i fan di vecchia data portando  in Italia il quinto romanzo di una, qui, sconosciuta autrice inglese: Justina Robson. Quinta opera ma prima di un'annunciata trilogia ''Quantum Gravity'' fondata sulla modaiola commistione di elementi fantasy e fantascientifici alla Shadowrun: a seguito di un'imprecisato evento esplosivo ''quantico'' accanto alla nostra Terra si aprono le vie per altri reami e relativi abitanti, un mondo di elfi, uno di demoni, uno di elementali, e uno misterioso della morte; in questo quadro parallelo la Terra appare caratterizzata dalla tecnologia. Non conosco i precedenti ma con questo romanzo la Robson espone uno stile narrativo molto americano che riprende, spostandolo di genere, i temi e le ricorrenze sviluppatisi nell'horror al femminile di grande successo dalla Rice alla Hamilton. Sensibilità nella descrizione e nella rappresentazione degli stati emotivi dei protagonisti, una forta presenza e chiarezza erotica, una generosa dose di mezzucci per la produzione in serie e la propagazione della vicenda principale su commissione nella più classica tradizione della letteratura d'appendice. In questo universo xenofobo e multietnico si muovo i due protagonisti del racconto, l'agente umana pesantemente meccanizzata Lila Black e il suo protetto ed elfo anticonformista al centro di trame ''interplanetarie'' Zal: tra i due scocca immediatamente la più trita trama sessuale tra guardia del corpo e corpo guardato. Una quantità di personaggi secondari e cattivi dopo, una qualche idea tecnologica ispirata dai fumetti e videogiochi, e qualche originale descrizione d'amplessi ci ritroviamo tra le mani un romanzetto leggibile, privo di pensieri e godibile perfetto nella pigrizia estiva: l'editore dovrà pensare bene se e quando pubblicarne il seguito (già uscito, intitola Selling Out). Curiosità finale: l'orrenda copertina non e' il frutto di qualche grafico da due soldi pagato a poco dalla Fanucci, e' proprio quella originale e vince il premio mai assegnato per la più stupida e mal fatta copertina mai vistasi in un libro di, presunta, fantascienza.

Blades of Glory: registi semi esordienti e sceneggiatori sconosciuti non impediscono a Will Ferrell di sfornare il terzo capitolo di una serie di film che lo riportano a contare significativamente nel cinema comico; il suo nuovo personaggio non sarà Ricky Bobby ma gli si avvicina molto e la sequenza di gag esilaranti, slapstick e volgari procede a ritmo serratissimo per tutta la durata senza lasciare mai tregua allo spettatore e colpendolo con alcune scene deliranti e indimenticabili. L'Iron Lotus e' un istant classic. Due pattinatori straordinari competono da anni rivaleggiando in stile e personalita', l'odio tra i due sfocia in una rissa in mondovisione che costa loro l'espulsione a vita dal mondo dello sport: per un cavillo i due potranno ricominciare a gareggiare. Non nella specialità singola, ma come prima coppia maschio-maschio della storia del pattinaggio. Will Ferrell con i costumini adamitici e attillatissimi da pattinatore fa ridere solo stando fermo e senza dire niente, i numeri acrobatici con il suo partner sono da farsela sotto e pur vivendo qualche momento un po' troppo caotico e affollato di dialoghi e battute il film funziona. Fa ridere per davvero ed e' semplicemente l'unica cosa che alla maggior parte degli altri esponenti del genere non riesce: non c'e' molto altro da dire. Will Ferrell, pattinaggio artistico: l'idea e' tanto demenziale e visivamente folgorante da commentarsi da sola. L'unica raccomandazione: non ho idea di come sia ma sono certo che l'edizione italiana non valga un mignolo dell'originale, non c'e' una sola battuta da perdere, e non c'e' doppiaggio che possa ripagare la sceneggiatura madre lingua (men che meno l'orrore degli ultimi adattamenti nostrani). La comicità americana di Ferrell, volgare e invadente, esplicita e offensiva, potrebbe in certi farsi fraintendere: nonostante le ambiguità, i richiami, e le dirette espressioni volgari in tutto il film non si vede e non e' necessario ricorrere a un nudo femminile. La situazione comica del brutto uomo e della bella donna viene creata automaticamente senza il bisogno di mostrare realmente la bella donna: e' il montaggio della scena, sono i dialoghi e la mimica, e' la rappresentazione a far ridere non la volgarità becera che sarebbe cacciata a piene mani dai corrispettivi italiani.

The Marine: a cimentarsi nel ruolo di Rambo tocca questa volta al più o meno celebre e amato wrestler John Cena, seguendo le orme prima di lui di famosi lottatori come Austin, Hogan e The Rock a calcare le scene cinematografiche il leader della Chain Gang affronta una prova molto semplice che lo vede nel ruolo di reduce alle prese con il rapimento della moglie attuato dal rapinatore Robert Patrick (il T1000). La trama e' tutta qui e resta indifferente per tutta l'oretta e mezza di durata: a interessare ovviamente e' la performance di Cena. I wrestler moderni sono molto piu' abituati a recitare di quanto non fossero quelli di una volta, e recitano anche meglio: Cena non e' tra questi ma fa comunque la sua porca figura in un ruolo molto semplice e semplificato di uomo virile eroe; non ci si stupisce certo per l'atletismo dimostrato a piene mani o per l'utilizzo mai forzato di tecniche famose durante le molte lotte a mani nude, ma fa un bel effetto vederlo rotolare e saltare e colpire con maggiore naturalezza e minore coreografia di quanto gli si sia visto fare nei suoi incontri. Il regista e' uno di quelli interni all'associazione sportiva: poche idee, poca abilità; non dico tanto ma ad affiancargli un regista vero forse Cena avrebbe potuto mettere in piedi un'operazione più fruttuosa e valida. The Manire non e' un film for fans only, o meglio: non e' un film solo per gli estimatori del wrestler, e' un filmetto d'azione come quelli che si vedono in giro nelle videoteche e che normalmente non avrebbe meritato la distribuzione in sale pur essendo discretamente guardabile.

Dororo: anche in Giappone, ancor più che in America, sembra sempre più arduo trovare una produzione fondata sull'originalità. Quindi eccoci a parlare dell'ennesimo, ridicolo dirlo dopo tanti anni senza ma il mercato causa di questi paradossi, film di pseudo-samurai basato su un manga. Questa volta tocca al Dororo di Osamu Tezuka. Già liberamente trasposto in un videogioco per PS2 qualche anno fa (Blood Will Tell). Un signore della guerra stringe un patto con 48 demoni: in cambio di un corpo immortale cedera a ognuno di loro un pezzo di suo figlio non ancora nato; il bambino nasce, vivo, con 48 parti di meno, alcune abbastanza importanti come il cuore: sembra un Johnny Got the Gun-samurai. Gli amorevoli genitori, disgustati, lo abbandonano come un Mosé-samurai in una cesta lungo un fiume. L'infante viene ritrovato da una sorta di Dr. Frankenstein-samurai e trasformato in un cyborg-samurai tutto protesi e armi nascoste, tra queste anche una utilissima spada ammazza demoni. Passa il tempo e diventa un uomo deciso a riconquistare il proprio corpo sterminando i demoni che ne rubarono le parti (a ogni demone ucciso il pezzo mancante ritorna insieme al suo corpo originario). Alla regia Akihito Shiota, quello di Yomigaeri (ixb): nel ruolo del plurimonco troviamo Satoshi Tsumabuki qui al suo primo ruolo come samurai (mi pare), reduce da qualche film non proprio di successo e in cerca di una nuova identità al di fuori dei drammi per teenagers; nel ruolo di Dororo.... ah, sì. Dororo e' il nome della comprimaria e coprotagonista, giovane ladra esuberante e scapestrata con le fattezze di Kou Shibasaki. Qualche mostro in CG, qualche poveraccio in costume da mostro alla Godzilla dei tempi d'oro, qualche effettaccio speciale di sangue e ferite proprio mal fatto, coreografie di combattimento con la flebite, dialoghi che suggerisco di sovrastare con qualche orecchiabile canzoncina pop: penso sia uno dei più brutti film giapponesi che mi sia capitato di vedere, e negli ultimi anni e in assoluto. Soprattutto perché trattandosi di una produzione di livello alto e' saltato fuori un ''b''ione dimenticabile e triste messo in piedi sfruttando una licenza che viene offesa senza ritegno, film d'azione interpretato da attori che stentano a muoversi, dove supplire alle mancanze fisiche degli interpreti con qualche effetto speciale antidiluviano sembri ancora una buona idea.

Hawkgirl:  proseguimento post Infinite Crisis della precedente Hawkman, la serie si interrompe con il numero 66 e senza previsioni di rilancio (Hawkgirl e' comunque parte della JLA e Hawkman della JSA). La corsa One Year Later e' durata un anno e mezzo circa frutto della dubbia scelta editoriale di affidare il personaggio alle cure di Chaykin, autore costantemente a metà tra il disprezzo e il clamore di pubblico: la sua trama qui non e' mai riuscita a ingranare, i suoi disegni fortemente inadatti al personaggio; anche il tentativo di rilancio affidato a Walter Simonson non e' servito a granché: un modo di scrivere troppo antiquato e troppa fretta di chiudere una trama tenuta aperta e in sospeso da troppo tempo, si sarebbe fatto meglio a dimenticarsela. La serie finisce con un niente di fatto: lo spirito di Hawkwoman abbandona Kendra lasciandola per la prima volta sola con la sua personalità completa, la relazione con Carter e' nella stessa situazione di mezza via che ha caratterizzato buona parte degli ultimi anni. Autori troppo vecchi per un personaggio giovanile come Hawkgirl, si sarebbe fatto meglio dando un taglio completamente diverso a tutta la storia.

Dark Tower: era un successo annunciato, il suo lancio di Mezzanotte e' stato l'evento fumettistico più seguito dai media da chissà quando, la prima serie ad attrarre pubblico estreneo al comicdom, un oggetto di culto (almeno per il suo numero 1) ammaestrato da un imponente sistema pubblicitario e garantito dalla Marvel e da Stephen King con viva partecipazione e impegno. Trama di Robin Firth, assistente di King e nota esperta della mitologia della Torre Nera; dialoghi di Peter David, uno dei grandi del nostro tempo; disegni del sempre troppo poco apprezzato e sempre più raffinato Jae Lee; colori di Isanove, uno dei pochi colorist al mondo a essere riconoscibile per nome.
La vicenda e' quella descritta nel quarto libro della serie, quella della giovinezza di Roland e del suo primo amore.
Sette numeri di buon successo. Non ottimo: solo il primo albo e' andato a ruba, gli altri sono rimasti in buona posizione ma molto indietro; forse a causa delle ricercate tavole di Lee-Isanove, forse per la storia stessa troppo complicata a comprendersi senza aver letto i romanzi. Ingiustamente snobbata ai recenti Eisner, la serie e' finita per diventare uno di quei prodotti di qualità che la critica sottostima per dimostrare la propria superiorità.
A Febbraio del prossimo anno dovrebbe vedere la luce una nuova miniserie, e dovrebbe restar confermato tutto lo staff.
La Torre Nera a fumetti e' indubbiamente una miniserie di grande importanza culturale per il media, un prodotto di grande professionalità realizzato da massimi esponenti del genere e supportato dalla stretta collaborazione del creatore, e' pure la versione a fumetti della Torre Nera (immaginate che mi stia battendo il pugno sul cuore nel gesto modaiolo degli sportivi). Eppure e' fredda e distante: le tavole sono troppo belle e troppo poco sensate narrativamente, in molti casi manca completamente la descrizione degli eventi venendo a preferirsi l'arte fine a se stessa; i testi sono tratti con grande cura dal linguaggio studiato da King per i suoi romanzi: trasposti come didascalie e a riempimento dei ballon perdono forza e mordente, diventano solo complessi a leggersi. Ogni albo e' stato poi studiato e condito da contenuti speciali: prosa e sketches.
La serie e' stata pensata e realizzata con grande amore e fiducia nell'idea originale, fedelmente riportata e tradotta: e' uno dei migliori fumetti dell'anno e allo stesso tempo e' per volti versi un pessimo fumetto. The Man in Black Fled Across the Desert and the Gunslinger Followed.

Spiderman 3: per fortuna che non sono andato a spendere dei soldi per vederlo. A parte l’esibizione di Bruce Campbell e alcuni degli effetti speciali utilizzati per l’Uomo Sabbia, il film affoga in quella noia molto particolare che si sprigiona dai film che vorrebbero essere divertenti e dinamici, d’azione, e invece sfoderano una complessa struttura di scene piene di movimento eppure soporifere. In questo terzo film Raimi la butta sulla caratterizzazione sopra le righe: come saprete la trama si sviluppa intorno a Venom, il simbionte alieno all’origine della decennale controversia sul costume dell’Uomo Ragno (rosso-blu contro nero). Nella prima parte del film al protagonista va tutto bene: la finalità espressiva e’ chiara, si accentua ed eccede nella rappresentazione prima del Peter tutto ok, poi del Peter cool, poi del Peter depresso per consentire allo spettatore di cogliere la variazione. Il regista offende più volte l’intelligenza dello spettatore a partire dal riassunto nell’opening fino all’inutile flashback nel confronto finale: forse per i bambini? Comunque sia il Peter buono e’ troppo nauseante, la prima ora di film e’ da diabete; il Peter-Fonzie e’ invece piuttosto spassoso e demenziale, però non mi piace l’idea di descrivere con demenziale uno dei personaggi più amati e longevi del comicdom; il Peter depresso e’ quello più in linea con la caratterizzazione tipo. Si parla troppo con troppi personaggi e troppe inutili side stories: i combattimenti tra i modelli poligonali sono simpatici ma ripetitivi, le botte in testa di Goblin non si capisce se siano una presa in giro di Raimi o pura idiozia, Venom e’ carino ma niente di più (e Topher e’ un cane, compreso canini: perché poi i canini?), Sandman e’ ben realizzato a parte l’evitabilissimo effetto clone della Mummia. La noia e’ il tema ricorrente, si nota pure con grande evidenza negli attori. La Marvel farà cosa buona, volendo proprio produrre un quarto episodio, a cambiare regista e cast: quello attuale sta collassando. E poi, per pietà: gli amichetti di Raimi sono un cult, i fan si aspettano di vederli in particine sempre e comunque, sono ‘’cinema’’ in senso stretto. Stan Lee no. Stan Lee bisogna abbatterlo, eliminatelo, sparategli: basta. Non e’ piu’ possibile sentire Nuff Said. Il mondo e’ andato avanti.

aggiornamento annuale con i vincitori degli Eisner Awards.

All’annuncio delle nominations sembrava che qualcosa nel trend dei premi fosse cambiato: nessuno scrittore o disegnatore a primeggiare, moltissime nomine per casi editrici indipendenti o comunque al di fuori del blocco di potere DC-Marvel; alla rese dei conti invece la situazione si e’ confermata la solita: DC Comics vince a mani basse portandosi a casa una decina e più di premi, e soprattutto quelli importanti, per alcune delle sue opere di più alto profilo mentre segna mesi e mesi (dalla fine di 52) di scioccanti sconfitte contro le vendite nuovamente stratosferiche dei crossover Marvel. Stupidi americani.

Veniamo al dunque (e come al solito non riporto tutti i premi ma solo i maggiori a mia opinione)

 

Best Short Story

"A Frog’s Eye View," by Bill Willingham and James Jean, in Fables: 1001 Nights of Snowfall (Vertigo/DC)

 

Best Single Issue (or One-Shot)

Batman/The Spirit #1: "Crime Convention," by Jeph Loeb and Darwyn Cooke (DC)

 

Best Continuing Series

All Star Superman, by Grant Morrison and Frank Quitely (DC)

 

Best Limited Series

Batman: Year 100, by Paul Pope (DC)

 

Best New Series

Criminal, by Ed Brubaker and Sean Phillips (Marvel Icon)

 

Best Humor Publication

Flaming Carrot Comics, by Bob Burden (Desperado/Image)

 

Best Anthology

Fables: 1001 Nights of Snowfall, by Bill Willingham and various (Vertigo/DC)

 

Best Digital Comic

Sam and Max, by Steve Purcell

 

Best Graphic Album - New

American Born Chinese, by Gene Luen Yang (First Second)

 

Best Graphic Album - Reprint

Absolute DC: The New Frontier, by Darwyn Cooke (DC)

 

Best Archival Collection/Project - Strips

The Complete Peanuts, 1959-1960, 1961-1962, by Charles Schulz (Fantagraphics)

 

Best Archival Collection/Project - Comic Books

Absolute Sandman, vol. 1, by Neil Gaiman and various (Vertigo/DC)

 

Best U.S. Edition of International Material - Japan

Old Boy, by Garon Tsuchiya and Nobuaki Minegishi (Dark Horse Manga)

 

Best Writer

Ed Brubaker, Captain America, Daredevil (Marvel); Criminal (Marvel Icon)

 

Best Writer/Artist

Paul Pope, Batman: Year 100 (DC)

 

Best Writer/Artist - Humor

Tony Millionaire, Billy Hazelnuts (Fantagraphics); Sock Monkey: The Inches Incident (Dark Horse)

 

Best Penciller/Inker or Penciller/Inker Team

Mark Buckingham/Steve Leialoha, Fables (Vertigo/DC)

 

Best Painter/Multimedia Artist (interior art)

Jill Thompson, "A Dog and His Boy" in The Dark Horse Book of Monsters; "Love Triangle" in Sexy Chix (Dark Horse); "Fair Division," in Fables: 1001 Nights of Snowfall (Vertigo/DC)

 

Best Cover Artist

James Jean, Fables, Jack of Fables, Fables: 1001 Nights of Snowfall (Vertigo/DC)

 

Best Coloring

Dave Stewart, BPRD, Conan, The Escapists, Hellboy (Dark Horse); Action Comics, Batman/The Spirit, Superman (DC)

 

Best Lettering

Todd Klein, Fables, Jack of Fables, Fables: 1001 Nights of Snowfall; Pride of Baghdad, Testament (Vertigo/DC); Fantastic Four: 1602, Eternals (Marvel); Lost Girls (Top Sh