The Monster X Strikes Back/Attack the G8 Summit: un film di Minoru Kawasaki non dovrebbe restare sul mio hd così a lungo ed essere visto solo per il bisogno di liberare spazio, tuttavia vedere berlusconi e/o una sua parodia mi schifa così tanto da avermi impedito la visione di questa specie di ritorno comico al Godzilla originale, quando il kaiju movie fu critica sociale. In Giappone c'e' il summit degli 8 Grandi per discutere del clima: i presidenti sono tutti parodiati, nomi leggermente diversi (Ibe per Abe) e attitudini stereotipate; Berlusconi, uno dei pochi a non venir mai presentato per nome, segno forse che all'estero più che a un uomo di merda si guardi alla somma dell'italianità, è codardo e fanfarone, è quello che fa battute volgari durante discussioni importanti e, profeticamente, viene mostrato corteggiare una donna molto più giovane e chiamarla ''bella bambina''. Tutti i leader parlano nelle rispettive lingue. Per il resto c'e' Sorkozy che pensa solo alla figa, i tedeschi gassano i loro nemici, l'americano Burger è violento e arrogante... roba così. I presidenti offrono i siparietti comici, mentre Guilala, il mostro venuto dallo spazio distrugge il Giappone. Una coppia di giornalisti scopre un vecchio villaggio dove viene venerato Take-Majin: una lunga danza dopo, la ''neci-coma'', pare sia una cosa inventata dal televisivo Takeshi Kitano in onore della Comaneci, ma a me ricorda più che altro il crotch chop della D/X, ecco apparire Take-Majin, guerriero gigante dorato con le sembianze di Kitano. Il grosso del film è comunque incentrato sui piani dei vari leader per abbattere Guilala, tutti falliscono, arriva Kitano e batte il mostro. Fine. Noioso, troppo lungo, non abbastanza comico.

Chew: alla Image stanno nuovamente aggredendo il mercato con una quantità di serie fatte a immagine dell'originalità, portabandiera di questa rinnovata spinta artistica è la prima opera importante di John Layman, ex-editor Wildstorm passato dall'altra parte della barricata. Chew è una detective story, i suoi protagonisti sono investigatori e cibopath: leggono il passato della roba che mangiano. Vuoi sapere chi ha ucciso Tizio? Chiami il cibopath, il cibopath dà un morso al cadavere putrescente di Tizio ed ecco che scopre chi l'ha ucciso. Sullo sfondo c'e' una storia non ancora completamente sviluppata relativa all'influenza aviaria. C'e' molta carne al fuoco, fumetto da tenere sotto stretta osservazione.

Blackest Night - Titans: ultima delle prime tre miniserie, peggiore delle tre in uno standard già basso e quindi facilmente uno dei peggiori fumetti dell'anno e, non a caso, una storia dei Titans. Cosa volete sapere? La nuova Dove è come il vecchio Dove: riescono a respingere/distruggere le Black Lantern. Donna Troy è semi-lanternizzata. Il resto è niente.

Final Crisis - Ink: finalmente possiamo parlare di una recente miniserie DC con entusiasmo. Ink è scritta da un nuovo autore, Eric Wallace, alla sua prima prova importante: si trova a dover mettere mano a quello che è probabilmente il più interessante nuovo personaggio introdotto durante Final Crisis, il terzo Uomo Tatuato. Criminale redento, afroamericano del ghetto, moglie e figli. Wallace la mette sul noir e scrive una bella storia di violenza e società corrotta, il finale pone il personaggio in una posizione complessa e, nonostante non si sia mai parlato di piani futuri in DC Comics, il personaggio è, sfortunatamente, lanciato verso la malata sfera Titans del DCU. Più che la, comunque promettente, scrittura di Wallace il vero punto di forza della serie sono i disegni di Fabrizio Fiorentino, ennesimo nostro (nostro? E' napoletano, non è neppure certo che sia umano) espatriato con un passato da artista Marvel.

Ambush Bug: dopo un anno quasi di attesa esce l'ultimo albo di Ambush Bug, misteriosa fissazione di Giffen. La DC ride di se stessa e numera l'albo con il 7 invece del 6. Non l'ho mai trovato divertente.

The Last Days of Animal Man: a proposito di miniserie inutili. Perché Conway e la DC hanno deciso di realizzare questa miniserie futura alternativa su Animal Man? Mistero. Buddy sta perdendo i poteri, questo futuro del DCU è banale e privo di soddisfazioni.

Ignition City: Ellis, Avatar. Ritorno alla fantascienza per Ellis, non un granché quest'opera dove si fa tanto lavoro d'ambientazione ma nessuno per provare a spiegare cosa sia cosa.

Fantastic Four: dimostrando palle non indifferenti Hickman decide di fare di testa propria e, invece di mettere in piedi uno storyarc di 12 albi e fidelizzare a forza i lettori, mette la sua firma a una storia in tre parti soltanto ribilanciando e ristabilendo la serie dei Fantastici 4 dopo diversi anni di penosa sofferenza. Hickman riprende dal passato e lo fa con grande abilità.

Up: la metto giù semplice, questo film è una cagata. Non di quelle cagate che ti liberano e lasciano un senso di compiutezza miracolosa e leggerezza disarmante, invece una di quelle cagate costipate dove lavori lavori lavori per produrre un'inezia che ti fa bruciare per il disonore. Up potrebbe tranquillamente essere il seguito degli Incredibili: il protagonista della storia è un vecchietto tenerello e profumato, al mattino si alza a fatica, le ossa gli fanno male e camminare è uno sforzo. Una volta ingranato però... il vecchio non lo ferma più nessuno: può correre più veloce di un cane nel pieno delle forze, spostare pesi immani, sottoporsi a ogni genere di incredibile sforzo fisico, combattere. I film Pixar hanno due pregi comuni: eccellenza tecnica e solidità concettuale. Posta una partenza narrativa più o meno fantastica i film Pixar la seguono impeccabilmente fino alla naturale conclusione, c'e' uniformità razionale in ogni elemento del racconto, per quanto assurdo e rutilante: in ogni film Pixar le premesse vengono rispettate secondo leggi fisiche scelte e adottate nello sviluppo di quella storia, sia che si parli di superpoteri, sia di navi spaziali, sia di pesci parlanti o giocattoli viventi. Up rompe questa tradizione e offre di conseguenza una fragilità strutturale evidente e inconsueta: lo stato fisico del protagonista non è una mia fissazione, se il vecchio è un vecchio che può suscitare emozioni e compassione in virtù della sua vecchiaia, questo status non può essere adottato e abbandonato a seconda di voler far piangere lo spettatore o divertirlo. Up falsa la verità della sua narrazione, piega il suo pacchetto di realtà ai capricci della sceneggiatura: finge di commuovere presentando un protagonista a fine vita eppure lo presenta come una forza della natura, non tiratemi fuori letture sul tipo ''l'avventura lo rende più vivo e rafforza, l'energia della gioventù nell'azione''. No, sono stronzate. Pixar ha sempre trattato i temi dei suoi prodotti con il giusto mezzo tra bontà per T-utti e serietà espressiva: la solitudine di Wall-E, la preoccupazione del padre di Nemo, il passare degli anni nell'incipid degli Incredibili; qui mancano l'approccio, si nascondo e si spaventano, non riescono a mostrare la vecchiaia per quello che è: la devono mascherare, possono tenerne solo i particolari romantici, quelli teneri, come se i vecchi fossero dei cuccioli e si gioisse del loro incespicare. Gli obesi di Wall-E non riescono a muoversi. Il vecchio di Up può fare quello che vuole. Sapete cosa? Normalmente non farei un paragone del genere: nessuno affianca una produzione Warner a un'altra, per dire uno studio cinematografico qualunque; per l'animazione si fa, i film della Disney non sono il prodotto di registi e crew diverse, sono i film della Disney. Lo stesso per Pixar e altra animazione. Gli studi d'animazione sembrano delle Coop: i film sono prodotti dell'insieme, come un'editoriale non firmato. Staff interno: certe volte salta fuori un genio, tipo Stanton, certe altre ti trovi a far firmare e dirigere gente che fino a ieri si occupava di altro; non si può dare la colpa a loro, Up è una manifestazione della Pixar come uno. Non si può dire che il film sia tecnicamente scarso, tuttavia è il primo film Pixar senza personalità e senza una caratteristica estetica e visiva saliente; Up è anonimo e questo suo non emergere tradisce l'abituale sontuosità animata, qui non c'e'. A parte i palloncini Up non ha nulla di digitalmente vivo. Inoltre: perché il vecchio e Dug hanno un aspetto determinato mentre gli altri cani e tutti gli altri umani sembrano riciclati dagli Incredibili? La reputazione Pixar è tale da non essere intaccata dalla mediocrità di Up, anzi è tale che la mediocrità di Up sparisce alla vista. No, non qui: qui su Up ci sputiamo un bolo di big mac.

Ice Age - Dawn of Dinosaurs: gli eroici mammiferi dell'Era Glaciale arrivano al terzo episodio delle loro mirabolanti e fantastiche avventure che, sicuramente, nella maestosità del 3d sarebbe emerso come un kolossal capolavoro dell'animazione e dell'umorismo. Visto sul pc sembra invece gli Amici Miei all'Atto Terzo. Il Mammoth è un futuro padre nevrotico e iperteso, la Mammoth è con figlio, la Tigra si sente vecchia, il Bradipo si sente escluso, lo Scoiattolo è in calore, sotto il Ghiaccio c'e' il Jurassic Park, o Skartaris o il Centro della Terra. A seconda.  Sid trova tre uova di Tirannosauro, il Tirannosauro rapisce Sid, gli altri vanno a cercarlo e scoprono una bolla di cretaceo inattaccata dall'Era Glaciale. Incontrano anche Buck, un furetto pazzo che vive laggiù e farà loro da guida e difensore. Nel frattempo Scrat si imbatte di una foxy lady scoiattolo dai denti a sciabola femmina, amore litigarello. Ice Age 3 è una gran boiata, mi tengo un margine di correzione non avendolo guardato a dovere con gli occhialini 3d sul naso, noiosa e insipida che non avrebbe mai dovuto essere. Il nemico di turno, visto che l'amorevole mamma Tirannosauro diventa presto buona, è un Barionice, copio dalla wikipedia italiana la gagliarda descrizione: ''un coccodrillo alto come un orso polare in piedi e lungo come un autobus''. Il Barionice di Ice Age 3 è una variante gigante più grande del Tirannosauro.

La Guerra di Zakalwe (Use of Weapons, 1990): terzo romanzo ambientato nell'universo condiviso della Cultura, non è una serie. Sono propenso a credere a Banks su quanto dichiarato a proposito dell'origine di questo romanzo: apparentemente sarebbe una sua opera giovanile, 1974, rielaborata e corretta; la struttura del romanzo è inutilmente complicata, frutto evidente di pulsioni romantiche e stilistiche più facili in un giovane pieno di aspirazioni che in uno scrittore affermato e realista. Il romanzo ha 2 prologhi, uno al posto giusto e uno al posto dell'epilogo; a capitoli alterni racconta una storia, definiamola ''presente'', uniforme e continua e una serie di flashback a ritroso nel tempo di eventi topici. In più ci sono due capitoletti fuori tempo tra i prologhi e le storie. La linea temporale primaria racconta l'ultima avventura di Zakalwe, agente esterno assoldato dal Contatto della Cultura per tutte quelle missioni dove sia richiesta la massima discrezione e finto non coinvolgimento della Cultura stessa: Zakalwe è un tattico eccellente, un combattente eccellente, sa usare ogni arma e via dicendo. Tendenzialmente Zakalwe cerca di fare del bene, in questo senso in linea con la Cultura e la sua ricerca del Bene. La missione è semplice: andare su un pianeta, impedire diplomaticamente una guerra interplanetaria. L'impostazione è troppo artefatta: seguendo la storia Zakalwe ricorda eventi del suo passato, accenna a fatti accaduti, puntualmente ripresi nell'immediatamente successivo episodio flashback; andando avanti con la storia e la risoluzione della missione, proseguiamo a ritroso fino all'Origine di Zakalwe, scopriamo la terribile tragedia e l'ossessione che lo tormenta. Il colpo di scena finale è inaspettato, forse si poteva capire ma personalmente ritengo che si tratti di una soluzione assolutamente insensata: bella, d'effetto, ma illogica nel suo sviluppo. Tutto viene spiegato e reso plausibile, comunque troppo artificioso. In ogni caso è una bella lettura, certi passaggi sono avvicenti e il drammone finale è assai gustoso, non il miglior Banks.

The Invincible Iron Man - Most Wanted Man: il finale del maxi story-arc in 12 parti che è valso alla serie un meritatissimo Eisner è un ottimo numero ma solamente un tassello in quello che è un piano molto più vasto, tradito ormai senza troppe sorprese dalle ultime solicitations. La fuga di Tony Stark si è conclusa, Osborn lo ha arrestato: la vittoria è tuttavia di Stark, tutta la sua tecnologia in mano a Osborn è stata distrutta e, in fin dei conti, è riuscito a costringere Osborn ad arrestarlo invece che a ucciderlo. Il finale è dunque aperto con alcuni punti chiari ben centrati: come adesso sappiamo la fine del Dark Reign, l'Assedio, coinciderà con il ritorno degli Avengers originali e la scomparsa (questo lo dico io) di tutti i gruppi di vendicatori attualmente in circolazione. Cap America è a un pochi mesi dal ritorno, la fine di Most Wanted si occupa del resto: Tony Stark è moribondo, il suo medico curante è Donald Black, Thor. I due andranno a incontrarsi e necessariamente appianare le divergenze trascinatesi da Civil War. Fraction e Larroca per una delle migliori serie Marvel e una delle migliori serie USA. Secondo me nell'hard-disk c'e' Tony Stark meno le informazioni sulle identità segrete, magari un Tony Stark di ripristino aggiornato a qualche tempo prima: giusto per cancellare gli errori alla Marvel way.

Blackest Night - Superman: James Robinson è autore amatissimo da ogni DC Jeek, ultimamente è tornato a scrivere a pieno regime con grande entusiasmo dei suoi moltissimi fan, sfortunatamente niente di notevole al momento (a parte l'albo di Superman con Krypto). Questa miniserie non è un indice affidabile, tutte le mini collaterali a Blackest Night stanno vagando sull'interlocutorio, e questa non è un'eccezione, la vera prova sarà vederlo alle prese con la JLA. Tornando a Superman: mi sarei aspettato di vedere Pa Kent tornare in forma di Black Lantern, invece tocca a Kal L e la sua Lois e lo Psychopirate. Un gran combattimento, con appendici anche su New Krypton, nulla di più.

Final Crisis Aftermath - Dance: quanto mi rompono le palle queste sparate sul supereroismo giapponese fatto di assurdità pop e banali stereotipi culturali, anche in Marvel recentemente hanno realizzato una serie simile. Il Super Young Team di Morrison messo nelle mani di Casey e ChrissCross diventa una miniserie di buon successo, ben criticata dal pubblico ma completamente priva di profondità. E' piaciuta ma non a me.

Red Sonja: l'omonima serie Dynamite dedicata al personaggio vagamente basato su una creazione di Robert E. Howard (Red Sonya e non Red Sonja, per questa ragione i diritti del personaggio non fanno pacchetto con quelli di Conan-Kull-Kane) trova conclusione con il numero 49, ma non finisce. Alla Dynamite si erano già spinti molto in là quando fecero morire il personaggio, ne parlammo, per poi farlo reincarnare in un'epoca/ambientazione diversa: ora hanno deciso di fare qualcosa di diverso ancora, invece di un reboot si giocano la carta, a dire il vero molto originale, del King Conan facendo ripartire la serie con il nuovo nome di Queen Sonja e dando tutta una nuova virata al tipo di trame, si spera. 

Fuga Impossibile (Hunter's Run, 2007): tutti sono andati nello spazio, conquistatori, minatori e persino mendicanti. Ci volevano 3 scrittori per compiere l'impensabile: mandare nello spazio un terrone. Ramon è un messicano che vive nella colonia planetaria di San Paolo, come tutti i messicani beve forte, parla forte, ama forte, picchia le donne, uccide senza motivo e vive in uno stato costante di ubriachezza aggressiva e rabbiosa. E' tutto 'o core e niente cervello. Fuga Impossibile è impossibile perché è il viaggio del terrone Ramon che incontra la cultura degli alieni del nord e decide di DEterronizzarsi, quanto meno proovarci. Gli alieni del nord gli danno un lavoro, all'inizio lo trattano come un animale, gli mettono un guinzaglio per educarlo e assicurarsi che le sue pulsioni inferiori non lo mettano nei guai: piano piano i lungimiranti padroni lo aiuteranno a diventare meno messicano, più civile; alla fine sarà lo stesso Ramon a odiare la propria natura così tanto da uccidere il terrone dentro di sé e rinascere come un nuovo, umile uomo desideroso di asservirsi ai gentili padroni del nord. Secondo me questo è il senso generale del romanzo. Volendo scendere nello specifico: a metà anni '70 l'allora scrittore Gardner Dozois si accorge di una grave mancanza fantascientifica, non ci sono ispanici nel futuro; si mette dunque subito all'opera per creare la prima grande avventura scifi con protagonista un messicano, fiabesco essere meridionale, pigro e dal sangue caliente. Dopo poco si accorge di un'altra cosa: non gli riesce di trovare un modo per portare avanti la storia. Passano dieci anni circa, questo è un punto importante, fate attenzione: sulla copertina del libro, in caratteri più grandi, viene riportato il nome di G.R.R. Martin, oggi acclamatissimo autore fantasy amato in tutto il mondo; negli anni '80 Martin era nessuno, un nessuno amico di Dozois, si mette per scherzo a scrivere un seguito al romanzo incompiuto: a giudicare dalle mie ricerche ne scrive circa 30 pagine, poi si accorge anche lui di non sapere cosa cazzo fare di un messicano. Passano altri dieci anni circa e tutto finisce in mano a Daniel Abraham: conclude la storia e, di fatto, corregge e aggiusta tutto il pregresso. Di fatto Hunter's Run è scritto da Daniel Abraham, su un'idea di Dozois parzialmente sviluppata e integrata da Martin. Uno dei motivi centrali della trama, che adesso non vi svelo visto che si tratta dell'unica ''sorpresa'' di questo mediocre romanzo, è una trovata sempre d'effetto ma a dire il vero qui molto poco interessantte: sarà che un paio d'anni prima se l'era spesa con migliori risultati Richard Morgan nel suo capitolo conclusivo delle avventure di Takeshi Kovacs, sarà che Hunter's Run è proprio stupido. Un altro tema portante è quello del ''Il Mio Nemico'' con Dennis Quaid, pare che questa sia l'idea introdota da Martin, casualmente negli stessi anni del famoso film. Fuga Impossibile è arrivato in Italia perché un autore molto noto respirò per qualche tempo sopra il manoscritto originale. In ogni caso ricordaveti questo post: qui abbiamo un Martin che scrisse di fantascienza, adesso sto leggendo un Morgan che scrive fantasy.

Machinarium: ero convinto e avevo dichiarato che Plants vs Zombies sarebbe stato l'ultimo gioco faticosamente riuscito a girare sul mio atavico pc, mi sono sbagliato. Grazie al ritorno in auge delle avventure grafiche punta e clicca mi è stato possibile estendere la vita videoludica del mio personal catorcio ancora per l'anno 2009. 8 anni di vita. Machinarium è una produzione indipendente ceca, nel senso della repubblica ovviamente, le cui prime immagini avevano cominciato a circolare in rete 2-3 anni orsono: Machinarium ha vinto il premio per l'eccellenza artistica all'Indipendent Game Festival ed è stato votato tra i 10 migliori all'ultimo PAX. Machinarium sembra un fumetto, una graphic novel dallo stile prettamente europeo, completamente disegnato a mano in un'ambientazione vagamente steampunk: un filo logico lo lega a Braid e a tutti quei piccoli giochi pieni d'Arte che cominciano sempre più spesso a trovare spazi commerciali degni. A livello di gameplay c'e' una novità rispetto al canone classico dell'avventura grafica: il protagonista può interagire esclusivamente con gli oggetti da lui fisicamente raggiungibili, di fatto non è una grossa innovazione, è sensata. La storia comincia in una discarica dove viene senza troppi complimenti abbandonato il nostro protagonista, un robottino abbastanza sfigato: il primo obiettivo sarà tornare in città. In Machinarium non c'e' dialogo verbale, i protagonisti emettono dei rumorini simili ai versi di tanti cartoni animati quasi muti degli anni che furono: tra loro comunicano per mezzo di ballon animati a sottolineare ancora di più l'aspetto fumettistico della realizzazione; non è comico e non è serio, una via di mezzo sempre molto europea con passaggi faceti e altri tragicomici tendenti al drammatico. Alcuni robot cattivi minacciano di far saltare in aria la città, l'amata del protagonista è imprigionata, nel mezzo ci sono personaggi e scene buffe, spesso in modo grottesco, spesso in modo triste. E' un prodotto che persone più fini definirebbero raffinato. Aldilà del ''trova oggetto raccoglibile - portalo da qualche parte/combinalo con qualcosa'' molto del gioco si sviluppa attraverso puzzle da risolvere: alcuni di questi sono piuttosto stronzi e non nascondo di essere ricorso alla consultazione di una guida per risolverli e procedere. Rompicapo di vario genere di quelli che stimolano la mente e fanno girare le balle ai più impazienti, se non siete tipi da cubo di rubik vi troverete a usare anche voi degli aiuti esterni. E' semplicemente molto bello da vedere e seguire, e un pò meno di completamente divertente da giocare.

Halo ODST: mi sono fondamentalmente ricreduto, devo fare ammenda e testimoniarlo. Ho giocato tutti gli Halo ma non sono esattamente un fan della serie, ODST mi ero deciso a lasciarlo perdere: ''troppo caro per essere solo un'espansione'', ero allineato su questo pensiero. Poi sono capitato da Gamestop, volevo vendere un pò di giochi e prenotare Brutal Legend: c'era una bella offerta, 2 giochi indietro e con 10euro mi sono comprato ODST nuovo. Alla fin fine Brutal Legend mi lascia perplesso e, da non fan di Halo, mi diverto comunque sempre moltissimo a giocarlo. Cosa non mi piace di Halo è la narrazione, dovrebbe essere una mega epica spaziale, trovo che sia una gran palla con pochi spunti interessanti: la sua scrittura migliore Halo la raggiunge nei romanzi, di certo non nei giochi. ODST è  il migliore Halo mai realizzato. Ottima sceneggiatura, perfetta caratterizzazione dei personaggi, dialoghi eccellenti: storia squisita, narrata con qualità mai vista in un Halo, e notevole di per sé. Mi pento a morte di non averlo comprato originale, il doppiaggio italiano è riprovevole: il nuovo andazzo per cui non sia possibile avere anche l'audio originale mi costringe a poter solo immaginare (e confermare su youtube) lo straordinario lavoro che il team Firefly Galactica ha riversato nel doppiaggio del gioco: Nathan Fillion, Adam Baldwin, Alan Tudyk, Tricia Helfer. Attori di qualità, doppiatori già esperti e... in ogni caso, nel sistema USA i direttori del doppiaggio sono tali che qualsiasi attore diventa anche un doppiatore. La versione italiana è al solita interpretata da quei 2-3 imbarazzanti poveretti. Ricapitoliamo cosa è contenuto nel box di Halo ODST: c'e' una campagna single player/multiplayer cooperativo non particolarmente lunga ma sui normali standard del genere, giocata a livello legendario può impegnare per una decina d'ore senza contare quelle spese alla ricerca dei collezionabili; la vicenda è ambientata tra Halo 2 e 3, niente Master Chief qui, i protagonisti sono i soldati scelti Orbital Drop Shock Trooper: gameplay conseguentemente modificato e, per certi versi, nuovo per Halo ma classico per il genere. Gli ODST non hanno energia rigenerante, devono centellinare la propria vita e andare alla ricerca di medipack; niente akimbo, penuria di munizioni e potenza di fuoco frequentemente molto ridotta: la necessità di avanzare un centimetro alla volta, scappare, tendere trappole e in definitiva evitare lo scontro frontale. Come dicevo, scordatevi Master Chief, niente super poteri. La struttura di ODST è altrettanto nuova: i Covenant hanno invaso la Terra, il gruppo ODST di cui seguiamo le vicende è sparpagliato per la megalopoli occupata di New Mombasa. C'e' una cornice nottura, chiamiamolo tempo presente, con la Recluta impegnata a cercare informazioni sui suoi compagni dispersi; sparsi per la città ci sono degli oggetti con flashback annessi: ogni flashback ci mette nei panni di un altro degli ODST, le missioni si possono attivare in qualsiasi ordine, c'e' un vero e proprio free roaming notturno, ma affrontare in sequenza è il modo migliore per apprezzarne la trama complessa e articolata. Parallelamente ci sono anche degli audio-log da cercare per scoprire maggiori informazioni sull'invasione Covenant e seguire una determinata sidestory. Oltre alla campagna ODST offre una nuova modalità multiplayer cooperativa, Firefight, simile a quanto vista nella modalità Orda di Gears of War: questo è il luogo comune. La verità è che Firefight sia una ''normale'' modalità survival come viste in migliaia di giochi prima di Gears of War. In Firefight 1-4 ODST dovranno sopravvivere a ''praticamente'' infinite ondate di Covenant, divisi in round e set, con solo un certo numero di vite, munizioni e medipack da condividere insieme. E' esilarante per quanto ci si diverte. Firefight da sola vale il gioco: come da buona tradizione di Halo è possibile giocare anche offline in splitscreen, una rarità sempre apprezzata. Queste sono le cose nuove, da sole valgono il loro prezzo: io non lo credevo, è così. Nel box c'e' però un secondo disco contenente, stand alone, tutto il multiplayer di Halo 3 comprensivo dei map pack usciti dall'esordio a ieri: è lo stesso multiplayer, potreste già averlo, potreste averne solo una parte o non averlo per niente. In ogni caso è un grandioso bonus.
C'e' poi ancora un'altra cosa: quelli di Bungie hanno ragione, lo ripeto, ODST vale il suo prezzo pieno. C'e' l'invito per la futura demo di Halo: Reach, il prossimo capitolo di Halo (presumibilmente un prequel) e, con ogni probabilità, l'ultimo capitolo prodotto da Bungie. Si spera in un cigno morto.

The Tournament: film indipendente inglese diretto da regista esordiente con Robert Carlyle, Kelly Hu e Ving Rhames. Ogni 7 anni i migliori assassini del mondo vengono invitati a partecipare a un Torneo mortale per decidere chi sia il migliore, vincere un pacco di soldi e divertire un gruppo di super ricchissimi annoiati: tutta l'azione è seguita in tempo reale, nessuno dice reality show, come fosse un olimpiade o simile evento sportivo. Nel film Carlyle, carriera distrutta, è un prete innocente coinvolto nel torneo a causa delle macchinazioni del maledetto concorrente francese: mi immagino il giovane regista inglese, dubito farà altri film, pensare alla sceneggiatura e decidere per un assassino negro-francese-parkour-odiapreti. Questa teoria potrebbe cadere visto che il campione degli assassini in carica è Ving Rhames. In ogni caso è un film del cazzo e non stupisce che ci sia un dvdrip prima dell'uscita cinematografica, ammesso che avvenga.

Goemon: ritorna Kazuaki Kiriya. 5 anni dopo il suo primo film, il flop di successo Casshern, ritorna il regista di video musicali più famoso del giappone. Oggi come allora: dirige, scrive, monta e fotografa tutto da sé; diversamente da allora si produce anche da solo: non traetene conclusioni affrettate, c'e' anche di mezzo la Warner. Goemon Ishikawa è il robin hood giapponese, è anche il famoso avo del Goemon di Lupin. Secondo l'interpretazione di Kiriya fu addestrato da Hattori Hanzo, fatto ninja insieme a Saizo Kirigakure sotto Nobunaga Oda, diventato ladro e spirito libero in un fashion molto simile al celeberrimo Juuza delle Nuvole (avete visto le prime scene di Hokuto no Ken Musou?). Nel film lo incontriamo durante un furto, oltre al denaro Goemon porta via anche una scatoletta, senza sapere di scatenare così eventi storici di drammatica importanza. Mitsunari Ishida, Ieyasu Tokugawa, Hideyoshi Toyotomi, Sasuke Sarutobi. Nel film ci sono nomi e personaggi del migliore folklore nipponico. Ciò detto c'e' solo una parola a cui dovete prestare particolare attenzione: NINJA. NINJAAAAAAAAAAAAAA. E' vero, tra qualche mese parleremo svariatamente di Ninja: in america stanno per uscire due film di Ninja. Ninja e Ninja Assassin, entrambi interessanti per motivi diversi: inutile anticipare. Considerazione bizzarra: i ninja americani visti nei trailer sono molto fisici, il ninja giapponese Goemon è per lo più CG. Nei cinque anni trascorsi Kiriya non ha minimamente rivisto la propria estetica, l'ha ripulita, rifinita e, per fortuna, ha sostenuto un corso intensivo di montaggio narrativo coerente: faccio fatica a quantificare quanti minuti di attori in carne e ossa ci siano nel film, ma realmente non importa, l'effetto visivo è magnifico; non credo ci sia un solo set reale, forse un paio di interni, per il resto è tutto virtuale; d'altra parte il 2004 di Casshern fu l'anno topico dei film con virtual set, fu l'anno di Sky Captain and the World of Tomorrow. Kiriya sembra rimasto ad allora. Si resta colpiti e francamente affascinati dalla perseveranza e dalla sicurezza del regista: Casshern fu presentato in pompa magna e cadde rovinosamente, cinque anni di silenzio e ci riprova senza abiura, non rinnega e si ripresenta con la stessa insolente follia impressionista, debitamente debitrice di tanto cinema americano nel frattempo e dello Zatoichi di Kitano (tra le altre cose). Uno spettacolo di immagini e musica, il trionfo di un desiderio surreale di motrare qualcosa all'eccesso: il ninja Goemon potrebbe papparsi il cyborg Casshern in un boccone, tanto è assurdamente potente. Il cast è specialmete interessante: Goemon è interpretato da Yosuke Eguchi, Samurai Commando Mission 1549 e Swallowtail Butterfly; Saizo da Takao Osawa, incastrato in ruoli di genere dall'ultimo(a) Ichi ma già hai tempi di Aragami; la bella Chacha, nipote di Nobunaga e amata di Goemon... ho continuato a chidermi per un pezzo dove l'avessi già vista: era la figlia di Jean Reno in Wasabi, e la ragazzina dello spettacolare Arita. E' diventata molto graziosa. I tre vecchi sono interpretati da Masato Ibu, Tokugawa, Eiji Okuda, Toyotomi, e Susumu Terajima nei panni di Hanzo. Hanno tutti l'espressione giusta, tutti l'atteggiamento da grande pellicola epica con uno spruzzo di sopra le righe dovuto alla chiara impostazione artistico-edonistica. Kiriya se ne sbatte dei passaggi logici, le scene contano in sé e poco importa passare da una all'altra bruscamente: quando il budget per la CG supera una certa cifra immagino sia inutile perdere tempo a filmare interlocuzioni, ci si butta sui punti caldi e si spende tutto il possibile. Goemon è un crescendo, puro e semplice, è anche uno dei pochi film in cui il regista riesca realmente a tenere la scena più forte alla fine cementando il progresso battagliero-emotivo in un'operazione matematica di moltiplicazione degli ambienti e delle vittime. Fateci caso: gli scontri cadenzano il film e sono progressivamente sempre più importanti. I dialoghi sono striminziti, la trama è semplice e non ci sono colpi di scena, i passaggi narrativi sono chiari e noti a chiunque abbia visto più di un film simile nella propria vita, abbia un certa conoscenza dei cartoni animati giapponesi e in generale di come funzioni il genere: Kiriya si rivolge a un pubblico dotto, presuppone conoscenze e salta pari oltre tutta la cianfrusaglia piombata e abusata. Non si racconta niente di nuovo e tutti sanno come si arriva dal punto A al B, finalmente la linea retta è la soluzione usata, non c'e' bisogno di curve inutili a spiegare quanto sia intuibile e soprattutto arcinoto: il fulcro è spalmare l'originalità sopra la roba vecchia, una bella manata di computer graphic e il mondo diventa nuovo e fresco. E' una concezione estrema e rigorosa, chiaramente può irritare e offendere: io riesco ancora a vedere le spade spadare attraverso corpi di ogni materiale, tanto mi basta.

The Punisher MAX: quando Ennis lasciò la testata dopo 60 numeri e vari speciali, non fu proprio azzardato predirne la chiusura. Il progetto Marvel di rilanciare la serie cambiandone leggermente il nome e portando a bordo scrittori di thriller non è andato lontano, con il numero 75 si conclude la prima serie MAX dedicata al Punitore; avrebbe potuto finire anche prima ma i mesi devono essere serviti all'editore per immagazzinare abbastanza numeri del nuovo, nuovo rilancio, con il nome cambiato ancora un pochino, della serie: nuova numerazione, nuovo autore fisso Jason Aaron, vecchio disegnatore Dillon. Gli ultimi 15 albi non sono stati male, niente a che vedere con Ennis, ma non male. Aaron è un fulgido astro tra i nuovi scrittori ma temo possa essere un pò troppo indaffarato ultimamente tra Vertigo e altra Marvel (Wolverine, Ghost Rider): sono rimasto spiazzato dalla preview contenuta dell'ultimo albo. Penso si possano trarre le seguenti conclusioni: il Punitore sarà sempre ''vecchio'', i mafiosi parlano di avere a che fare con lui da 30anni; a questo punto sembra evidente che la storia sarà ambientata nel passato prossimo e vedrà mantenuta l'origine Vietnam del personaggio: il primo avversario del nuovo-vecchio Punitore sarà un giovane Kingpin, a riprova del passato pur non essendo in continuity.

Blackest Night - Batman: prima miniserie di 3 collaterale al super evento DC, per adesso miglior Evento della Storia dei Fumetti. Scritta da Tomasi, disegnata da tizi di buona tecnica. Per il momento la DC sta giocando nuovamente la carta dei non tie-in nelle regolari, i personaggi primari DC hanno o avranno miniserie dedicate. Questa ha per protagonisti ovviamente Batman e Robin ma anche Red Robin, Oracle e Deadman, ed Etrigan: i morti risorgono ed è il festival dei genitori morti risorti. Siamo ancora a una fase iniziale ma si delinea il senso generale dell'attacco: i morti risorgono e attaccano i vivi da cui possono trarre, secondo lo spettro dei colori-emozioni dato per noto, il maggior impatto emotivo; le Black Lantern si nutrono di emozioni: finché la preda è confusa e prova emozioni diverse non possono/non vogliono nutrirsi, una volta suscitata un'emozione diretta e pura invece sì. Quindi largo al dramma psicologico. Sappiamo già che più forte è l'emozione maggiore è la carica che dalla Black Lantern si trasferisce a.. sappiamo già a cosa ma a voi non lo dico. Batman e Red Robin si salvano. Miniserie interlocutoria, decente ma niente di più.

Final Crisis Aftermath - Escape: ho creduto in questa serie fino all'ultimo albo. Mi sono detto: Ivan Brandon è un autore che non mi piace però questa ripresa del Prigioniero mi entusiasma: l'idea di vedere parecchie storiche spie da agenzie segrete DC diverse, tutte catturate e imprigionate in una Città Elettrica dove tempo e spazio, e la realtà in genere, sembrano seguire una fisica compeltamente altra, più la ripresa degli Omac, più Nemesis protagonista, mi aveva subito conquistato. Potevo ignorare i disegni a culo di Marco Rudy. Il punto: 1) in quale cazzo di continuity/senso con Final Crisis dovrebbe essere? 2) Il finale è una merda. 3) E quindi?
Quindi niente, è una merda.

Batman-Detective Comics Annual: solo con fine di citazione. I due bat-annual offrono una storia unica per il lancio della nuova regolare con il nuovo Azrael, l'ultima delle nuove serie di Batman. Nicieza scrive.

Gravel: solo con fine di citazione. Si conclude il secondo story-arc della regolare dell'unico progetto Avatar di Ellis che sia riuscito a piacere abbastanza da diventarlo. E' persino stato recentemente opzionato per l'adattamento cinematografico. E' una buona lettura ma niente di più. Certo non è Planetary.

Blindsight (Id, 2006): vi invito a esplorare il sito ufficiale linkato, non solo contiene tanti bei metacontenuti complementari alla lettura del romanzo, ma anche il romanzo stesso. I protagonisti umani del primo romanzo spaziale di Peter Watts sono, nei rispettivi campi, i migliori esperti/scienziati che l'umanità abbia da offrire: sono talmente specializzati che quando si parlano tra loro devono frequentemente ricorrere alla grande Rete per aprire sottotitoli ed esplodere finestre esplicative di quanto appena detto/sentito. Peter Watts scrive hard sf e, come i suoi personaggi, anche al lettore è richiesta una continua ricerca di termini e significati per compensare una media ignoranza. Ho cominciato Blindsight due volte, la prima non ho superato pagina 40. Negli ultimi due anni evidentemente devo aver rotto l'indugio linguistico che mi faceva evitare romanzi originali troppo complessi e allo stesso tempo aver sviluppato un certo sottostrato di terminologia scientifica che, pur restandomi per lo più ignota, mi rende almeno familiari i concetti: Blindsight è raccontato in prima persona da Siri Keeton, Watts compie lo sforzo estremo e riesce a sviluppare una narrazione matematicamente organizzata in falso flusso di coscienza permettendo allo svolgimento dei pensieri di affrontare pura speculazione ontologica, stretti ragionamenti scientifici, riuscendo a discernere precisamente cosa debba essere spiegato per offrire il minimo necessario alla fruizione del racconto da quanto lasciato alla curiosità: Siri è ''the crossbred progeny of profilers and proof assistants and information theorists. In formal settings you'd call me Synthesist''. Spiega l'inspiegabile, veicola informazioni incomprensibili e le rende comprensibili agli altri: nella missione il suo ruolo è di osservatore, nessuna mansione diretta, è il registratore umano degli eventi. E' sostanzialmente inutile, messo sull'astronave con l'unica ragione di avere una coscienza. Il fulcro del romanzo è la non corrispondenza tra intelligenza e coscienza. La missione è un Primo Contatto. Sonde aliene hanno visitato la Terra, non aggressivamente, un artefatto chiaramente alieno è apparso all'orizzonte del sistema solare: Primo Contatto, missione esplorativa-conoscitiva. Un biologo così compresso da innesti e impianti cibernetici da non avere più sensibilità diretta del proprio corpo, una linguista con 4 personalità coesistenti, un maggiore dell'esercito e il suo esercito privato di automi guidati con il pensiero, Siri, la super AI dell'Astronave e il suo tramite con l'equipaggio, nonché comandante, il vampiro Sarasti. Blindsight è contemporaneamente un'opera di fiction, di divulgazione scientifica e di genuina arte letteraria impregnata di sottotesti, simbolismi e richiami squisitamente psicologici ed emotivi. Ogni personaggio del romanzo esprime un diverso grado del rapporto coscienza-intelligenza. Non solo i terrestri. La missione raggiunge presto destinazione e incontra gli alieni: in vari gradi la conoscenza e l'impatto con il totalmente altro attraverso vari stati di comprensione-incomprensione su quale sia il senso degli alieni. Sono intelligenti e coscienti, o nessuno dei due o solo uno dei due. La pressione analitica di Watts è tale da necessitare di uno sfogo d'appendici, alla fine del romanzo, dopo i riconoscimenti, c'e' una sezione di ulteriore spiegazione dei grandi concetti espressi nel testo principale. E' una lettura impegnativa, frustrante e affascinante. La prospettiva scientifica degli umani che studiano l'alieno, attraversata da una miscela di connotati morali e allegorici: la materia più alta, l'essere dell'uomo, ''chi sono io'', conosci te stesso. Alla fine la risposta è proprio il motto delfico, il finale del romanzo tradisce l'intento puramente artistico di Watts: la vicenda viene accantonata, alla fine la reale importanza e centralità è la scoperta di Siri, la comprensione. Ciò detto c'e' azione, avventura: scene di battaglia, violenza e una discreta componente di orrore; alcune parti lasciano frastornati e sembra che Watts a volte scelga di usare la parola giusta piuttosto che quella più corretta, alcune scene restano non chiare e certi punti finiscono semplicemente abbandonati: chiaramente può trattarsi di legittimo realismo dovuto all'inaffidabile narattore in prima persona, incapace di vedere tutta la scena; è comunque richiesto al lettore uno sforzo che, seppure ampiamente premiato dal godimento per una lettura tanto avvincente, spossa e scoraggia: si finisce per rileggere certi passaggi più volte. La scrittura di Watts manca della pura bellezza di un Chiang, compensa con una densità specifica rara e difficile, una sfida alla ragione del lettore che vale la pena raccogliere e provare a decifrare: Watts non vuole vincere e come Siri tiene sopra ogni altra considerazione l'importanza che il messaggio raggiunga.

Le Sentinelle del Cielo (Sentinels from Space, 1953): il primo numero degli X-Men della Marvel porta come data di pubblicazione il 1963, certamente non furono né Lee né Kirby a inventare il concetto di ''mutazione umana che provoca super poteri'' ma è inevitabile pensare a loro come al simbolo e al significato più evidente e riconoscibile di ''mutante''. 10 anni prima Eric Frank Russell scriveva questo breve romanzo, installandosi su un precedente racconto ''Star Watchers'' del 1951: l'umanità vive tra la Terra, Venere e Marte; il governo centrale è sulla Terra ma sempre più di frequente i venusiani e i marziani pensano a se stessi come a una nuova umanità separata e indipendente: scoppia una guerra nascosta, in sostanza una forma statalmente organizzata di terrorismo, Venere e Marte alleate contro la Terra. Lo spazio è pieno di radiazioni cosmiche. Lee e Kirby crearono i Fantastici 4 nel 1961. Gli umani che viaggiano tra un pianeta e l'altro, più frequenti i viaggi maggiori le probabilità, incorrono in mutazioni: esistono mutanti sulla Terra, pochi, la maggior parte di questi mutanti vive su Venere e Marte. Sono i mutanti le principali armi di questa guerra non dichiarata. I mutanti di Russell sono classificati per tipi di potere comune, nessun mutante ha più di un potere: telepatia, telecinesi, levitazione, etc. Contro le cellule terroristiche mutanti, la Terra assolda un proprio campione nella figura di David Raven, un telepate eccezionale, affidandogli la missione di finire la guerra. La trama è ingenua, vagamente assurda, gli anni '50 americani pesano come macigni su un testo che ha accusato il passare del tempo e il cambiare delle menti. Il super uomo David Raven è più super di quanto sappiano i suoi stessi datori di lavoro: intanto non è esattamente un essere umano. David Raven è solo un corpo animato da un potente parassita alieno dotato di PIU' super poteri contemporaneamente: è un super mutante alieno. Le Sentinelle del Cielo vogliono guidare l'evoluzione umana, interferendo il meno possibile, in modo da non incontrare troppo presto o impreparati la razza dominante della galassia. Oggi non è completamente apprezzabile ma lo sforzo di Russell per dare alla sua storia una quantità di livelli e linee parallele, giocando sull'incertezza e il fraintendimento, ponendo continuamente in relazione esigenze e scopi via via più importanti in un crescendo con colpo di scena finale. Storia della fantascienza a colori, dei tempi dei magazine che furono, letteratura d'evasione, idee nuove e originali, allora.

Turbo the Movie: questo cortometraggio è in spiccioli la tesi di laurea al DAMS di Los Angeles. La globalizzazione non è ancora arrivata a questo punto: 20 minuti circa, effetti speciali degni di una produzione da home video, un giovane regista accreditato di essersi fatto notare da Spielberg, giovani attori professionisti. Quando è cominciata la produzione di Turbo il Natal di Microsoft non era ancora stato mostrato: oggi potremo dire che i protagonisti di Turbo si sfidano tra loro a uno street fighter natal. Sul sito ufficiale, linkato al titolo, potete vedere il film in streaming: non è granché ma è amatoriale e fatto bene. L'idea sarebbe stata notevole, se non fosse per l'uscita di Natal che avvicina troppo la fantascienza del film. Uhm... trama? Hugo è un giovane che passa troppo tempo ai videogiochi, per altro è incapace; suo fratello era un kickboxer destinato a grande fama, finito sulla sedia a rotelle; un torneo per decidere chi affiancherà il super campione di Turbo Arena come nuovo membro della sua squadra. Il protagonista ha avuto una parte in Twilight. In effetti è una schifezza ma vale più lo sforzo del risultato, in questo caso.

Planetary: ricordate com'era leggere The Dark Knight Returns o Watchmen in presa diretta? Io no. Ero troppo giovane allora per poter seguire come posso oggi il mercato americano, a dire il vero se fossi anche stato più vecchio non ci sarebbero stati i mezzi per farlo: in ogni caso sarei stato troppo giovane per apprezzarlo. Ho potuto dopo. ''Dopo'' come quando si va in un museo, si guarda un'epocale opera d'arte: la si apprezza, il capolavoro, la pietra miliare, la fonte del cambiamento e il passaggio obbligato della storia; il tempo la esalta e al tempo ti butta sul ciglio della strada perché non eri lì, allora. Woodstock? Planetary 27, 11 anni per ventisette albi pubblicati dall'imprint Wildstorm della DC Comics, scritti da Warren Ellis e disegnati da John Cassaday. Questa è l'arte che possiamo finalmente vivere e godere in contemporanea. I commentatori si stanno strappando i capelli per riuscire a trovare le parole per descrivere l'albo conclusivo dell'opera che ha segnato indelebilmente il suo tempo, la parola ''perfezione'' torna frequentemente. E' passato un anno dalla sconfitta dei 4, Planetary sta cambiando il mondo, Elija Snow non è soddisfatto: c'e' ancora qualcosa, qualcosa di importante e fondamentale rimasto indietro. Ambrose Chase. Un uomo è rimasto indietro, abbandonato. E' ora di salvarlo. Per Ellis è il momento del viaggio nel tempo, dei paradossi e delle migliori pagine che abbia mai scritto; per Cassaday è il momento del decoro e del trionfo, ha già dimostrato il suo genio, ora deve accompagnare la vicenda alla sua conclusione, condensarne i significati eccellenti e presentarli nel modo più chiaro possibile. L'unico svago concesso è la copertina commemorativa. Non si può non leggere Planetary, hard sf comics USA. Sul blog avevamo già parlato di Planetary al tempo del 26esimo albo, credevo fosse l'ultimo: avrei giurato che gli autori non sarebbero mai riusciti a tornare sul pezzo. L'uscita del 27 trapelava disfatta: Ellis in fase calante, Cassaday seduto. Troppo tempo, troppi cambiamenti: riprendere l'appeal dell'opera durante il suo corso una follia sanguinaria. Invece no. A volte semplicemente le cose vanno bene e tra le mani e in testa ti trovi qualcosa di magnifico e memorabile che svicola la soggettività e si processa come storia, e noi siamo i testimoni.

Final Crisis Aftermath - Run!: Matt Sturges risponde alla domanda che nessuno si è posto. Cosa succede a Human Flame dopo la disfatta di Libra? E' la prima delle miniserie FC Aftermath a chiudersi, una di quelle mediocri: era partita meglio, comica, con Human Flame il villain di serie C inseguito da eroi incazzati e cattivi incazzati. Tutti incazzati con lui. Si chiude con un nulla di fatto, Sturges ci prova ma non ottiene granché: la morale è sciocca e così il resto.

Strange Adventures: per fortuna sembrerebbe che con questi 8 numeri la collaborazione Jim Starlin-DC Comics per distruggere i personaggi spaziali dell'editore sia giunta a termine. Synnar e la menata degli Aberranti 6 si chiude con un colpo di scena stupidissimo che sa tanto di ripensamento editoriale: invece di lanciare una nuova serie, questa mini castra tutte le sue trame e le chiude o pone in sospensione perenne. Vendite insignificanti, disprezzo generale. Tiriamo il punto della situazione: Comet e Strange rimangono gli unici personaggi validi, a breve si trasferiranno sulle crescenti pagine di REBELS; Synnar, Fusion (il vecchio Starman spaziale riorganizzato per sembrare un araldo di galactus anni '90) e un Bizarro imbarazzantemente fuori continuity si levano dalle palle per destinazioni realmente sconosciute. Eye è morta. Testimonianza duratura che alcune forme di revival vanno perse.

Justice League of America 80Page Giant: parlo di questo speciale per un'unica ragione. Non è per niente buono come se ne parla in giro. Ultimamente è talmente difficile parlare bene della Justice League che l'uscita di uno speciale mediocre sembra un successo. No, 80 pagine di storielle vecchia maniera con team creativi di scarsa qualità, restano merda.

GI Joe Cobra Special: continuo a non riuscire a credere come alcuni grandi editori USA non riescano a mettere in piedi siti decenti, soprattutto a mantenerli. Penso a Image, anche IDW non scherza. Per fortuna non sono idioti e si sono almeno resi conto che la miniserie ''Cobra'' è stata il loro migliore lancio al brand dei GI Joe, ecco quindi lo speciale scritto con passione fumettistica rara e una coraggiosa imitazione di Alan Moore che ne riprende marginalmente il filo in forma di side story. Ottima lettura.

Capre di Guerra (The Men Who Stare at Goats, 2005): George Clooney era fuori concorso al Festival di Venezia con il suo ultimo film. Il trailer del film è esilarante. Apro una finestra e lo scopro tratto da un libro, impensabilmente il libro è pubblicato anche in Italia per gli imprevedibili tipi della Arcana Editrice. La Arcana Editrice è nota e si occupa principalmente di libri di musica contemporanea, possiede anche una collana ''Controcultura'' dedicata ai più vari e diversi argomenti. Il film trae ispirazione dal libro ma, a giudicare dal trailer, ne cambia radicalmente la struttura. Il libro è scritto da Jon Ronson, autore inglese (gallese) a tutto tondo qui nella sua veste più ufficiale di giornalista freelance. Il suo stile è quello che gli anglosassoni definiscono Gonzo Journalism, la narrazione romanzata di fatti reali, spesso in prima persona con il giornalista calato nei panni di personaggio della propria inchiesta. Un modo per rendere più gradevole quello che altrimenti risulterebbe più vicino allo stereotipo del saggio noioso. Capre di Guerra racconta le scoperte effettuate da Ronson in circa 3-4 anni di lavoro dal 2001 al 2004: tutto comincia con Jim Channon e il manuale del Primo Battaglione Terra. Channon è un ufficiale e un veterano del Vietnam, alla fine degli anni '70 scopre e abbraccia il movimento Human Potential californiano riversandone ogni contenuto new age nel manuale suddetto dedicato alla creazione di una nuova mentalità nell'esercito USA e di una nuova forma di soldato capace di portare la pace, in grado di battere il proprio nemico senza combattere, utilizzando tecniche e poteri mentali, un Monaco Guerriero, uno Jedi. Ronson gioca sul filo del rasoio, descrive le sue scoperte senza mai implicarne direttamente la tragicomicità (se non verso la fine): non è certo impassibile ma lascia che sia il cinismo del lettore a deridere le convinzioni e le applicazioni dimostrate. La teoria di Ronson, provata dove possibile dalle interviste e i dati raccolti, e semplicemente congetturata e comprovata da silenzi e prove indirette in altre occasioni, è che il Manuale del Primo Battaglione Terra sia all'origine di fatti ed eventi con ripercussioni sull'esercito americano fino a oggi. Dall'invenzione della schiuma anti-sommossa fino agli scandali torture nelle prigioni USA, passando per gli esperimenti con LSD della CIA su ignari cittadini americani. Capre di Guerra descrive come si sia partiti da un libro teorico-provocatorio inteso (forse) più a scuotere le coscienze dello Stato Maggiore che a proporre veri misticismi marziali, per arrivare a omicidi e brutalità di ogni genere. Dal mentalismo alla guerra psicologica. Il romanzo resta pacato anche nei suoi ultimi, più crudi, capitoli: a un americano lettore non è necessario dare ulteriori giudizi su fatti che hanno sconvolto l'opinione pubblica, a un lettore italiano possono invece mancare dei dettagli, specialmente i nomi delle alte sfere dell'Intelligence. La denuncia sottintesa è che al comando dell'esercito e dei servizi segreti americani si siano succeduti, nel tempo, una serie di pazzi clinici: specialmente negli ultimi anni, specialmente durante la Guerra al Terrore.

Kung-fu Cyborg: ho visto qualcosa che non credevo possibile, o almeno non ancora. Ho visto un film cinese impreziosito da computer graphic di qualità. Il film è stato massacrato dalla critica, io mi sono molto divertito: sarà che sono passati anni dall'ultima commedia made in HK, mi sono liberato il sistema da quel tipo di umorismo e ritrovarlo dopo il giusto tempo mi ha realmente fatto godere l'ora e mezza passata con l'ultima fatica di Jeffrey Lau. Tempo fa era uno dei miei registi preferiti: mi sbellicavo con i suoi Chinese Odyssey. Questo film si vanta di essere la risposta cinese ai Transformers: una tranquilla cittadina di provincia viene scelta come luogo per la prima prova sul campo di un nuovissimo modello di robot poliziotto, camuffato da umano viene affiancato al capetto dei poliziotti locali. Tempo due minuti e K1 ha risolto tutti i ''crimini'' del posto e conquistato il cuore della (ignara) fidanzata del capetto e conseguente super rivalità; poco tempo dopo un altro robot si dà alla macchia, ci vogliono quasi quaranta minuti prima che accada un combattimento: tutta la prima parte è esclusivamente comica. K1 e i suoi simili si trasformano, in senso lato: possono diventare veicoli, super robot, super robot componibili. Più che insistere sulla bontà degli effetti speciali e sulla simpatia generale degli elementi comici non saprei cosa aggiungere: si resta molto spiazzati dal finale, stonato e improvviso, l'effetto non mi è piaciuto; cercando di razionalizzare l'unanimità del disprezzo e il mio soggettivo gradimento penso che l'unica spiegazione sia proprio la ripetitivà o meno di questo film sul Vs personale ruolino di ultime visioni: se fate manbassa di commedie hongkonghesi, probabilmente lo troverete manchevole in tutti i campi, nell'altro caso lo troverete sicuramente simpatico e godibile. Lau per altro non rinuncia ad alcune delle sue trovate più sceme come L-Pod e l'I-Gun.

Yatterman: l'adattamento live action della celebre produzione animata Tatsunoko combacia lecitamente con quanto era facile aspettarsi. Una noiosa lecornia di un Miike Takashi sempre più deciso a trasformarsi nel Burton giapponese: il film corrisponde al cartone in un rapporto 1:1 talmente pedissequo e rigido da non poter in alcun modo essere visto in un'ottica favorevole. Tutto troppo sopra le righe. Eterno e ripetitivo in modi imbarazzanti: la serie animata durava venti minuti, un episodio alla settimana, un combattimento alla settimana; Takashi mette insieme 2 ore abbondanti di film, tre combattimenti con altrettanto intro e uscite: è troppo, è faticoso e per niente divertente. La cg è probabilmente la migliore mai vistasi in un film giapponese, Yattacan e Yattaking sono spettacolari, così come i robot dei Dorombo: negli anni '70 la serie di Yattaman scherzava con molta ironia sulla passione teatrale dei combattenti e delle loro macchine, con la sensualità di Doronjo e con i siparietti sarcastici che sottolineavano genialmente l'inevitabile sconfitta settimanale dei cattivi e la vittoria dei buoni; quasi quaranta anni dopo la sessualità in giappone è bandita nel giro mainstream se non trattata con volgare offensività, l'ironia è scivolata in una melma di demenzialità riprovevole e stucchevole, e l'unico elemento d'efficiacia è unicamente centrato sulle scene in cg e sulla corporeità meccanica ma trucidabile dei robot rappresentati. Il peggiore esempio di involuzione nel cinema giapponese contemporaneo e prova evidente di quanto sia necessario per i produttori cominciare a rieducare il proprio pubblico togliendone il gusto dalle mani di ipertrofici autoincensanti autori da festival diventati troppo egomaniaci per riuscire a distanziarsi dal mito di se stessi. La Fukada è sempre una bellezza da guardare.

Il Ritorno degli Chtorr (A Day for Damnation, 1985): secondo capitolo della guerra tra gli umani e i vermi giganti provenienti da Chtorr. Gli anni investiti nella stesura di questo romanzo hanno dato a Gerrold l'opportunità di affinare la sua scrittura, soprattutto l'impostazione narrativa, ottenendo un prodotto molto più scorrevole e uniforme a livello di trama: questa volta solo due missioni equamente spartite nelle due metà del romanzo e intervallate da una breve zona di riposo/preparazione, proprio in questa fase l'autore inserisce la maggior parte degli inserti panoramici sociali sulla civiltà umana del tempo; ancora completamente distaccata dalla narrazione vera e propria sono almeno più compatti e, quantomeno ridotti in numero. La prima persona narrativa è la principale causa di questo ingolfamento, non ci sono valvole di sfogo: il protagonista continua a veicolare il desiderio espressivo di Gerrold riguardo la sua doppia creazione, Chtorr e umanità futura, interrompendo di fatto il proprio agire nel mentre. Continua a restare ignoto come gli Chtorr arrivino sulla Terra, diventa invece evidentemente chiaro quale sia il primo mezzo dell'invasione: dopo i microorganismi causa delle epidemie, dopo i vermi bestiali e aggressivi, adesso è il turno di tutto il fottuto ecosistema Chtorr (o presunto tale). Al seguito della testa di ponte micidiale arriva tutta una processione di esseri di vario genere e dimensione, tutti inquadrati in un meccanismo basilare di catena alimentare, la cui sola presenza causa un fenomeno di terraformazione: l'effetto è che la Terra si trasforma, ambiente e clima per accogliere sempre più vaste quantità di abitanti di Chtorr, la Terra diventa Chtorr e le sacche di resistenza umana vengono lentamente ridotte e aggredite con una forma di guerra ignota e inarrestabile. Eccellente l'idea maturata a metà romanzo, fortemente caldeggiata dal protagonista e dai suoi più stretti contatti nelle gerarchie militari e scientifiche: comunicare con gli Chtorr, smettere l'uccisione selvaggia e inutile per l'ovvia superiorità nemica, raggiungere una pacifica tollerante convivenza. A questo punto c'e' una considerazione: data l'evidente natura seriale del progetto alla sua origine, in questo secondo capitolo vengono sviluppati e integrati negli accadimenti alcuni di quei fenomeni descritti e isolati per i quali erano state sprecate varie pagine di testo accademico; c'e' la forte possibilità che anche questa volta gli ''inserti'' vengano poi ripresi nel prossimo romanzo dando una visione più unitaria del tutto. Forse. In ogni caso trova finalmente spiegazione applicata la presenza del branco di ''zombie'' di San Francisco. Il terzo libro non è in mio possesso, lo cercherò ma per il momento dubito che gli Chtorr ritornino troppo presto in zona, come mi è stato fatto notare qualche giorno addietro da un amico passato sul blog la storia della guerra contro gli Chtorr è fondamentalmente monca: alla fine del quarto libro, l'utimo pubblicato (15 anni orsono circa), la vicenda rimase bruscamente interrotta. Come avevo anticipato nel post sul primo romanzo sono attualmente in produzione altri 3 libri che dovrebbero portare l'attesa conclusione: Gerrold è anziano e il primo è in ritardo di qualche anno, potreste non voler cimentarvi nella serie con il rischio di vederla restare monca.

G.I. Joe - The Rise of the Cobra: la cosa più bella di tutto il film è quando qualcuno dice ''General Hawk'', il personaggio interpretato da Dennis Quaid non è molto presente, appare poco e in definitva non ha scene particolari. Però, quando viene chiamato in causa: i soldati adoranti lo chiamano ''General Hawk''; ci si riempie la bocca solo a dirlo. General. Hawk. Il film è divertente, la sua forza è nel non prendersi troppo sul serio: Sommers non torna certo al tempo della Mummia, l'esperienza Van Helsing tuttavia deve avergli insegnato abbastanza sulla tragicità del fare un film imbecille senza godere della necessaria autoironia. Gli effetti speciali tradiscono la natura non propriamente ad alto budget della produzione: è evidentemente chiara la scelta effettuata a monte di avere migliore cg in certe scene e peggiore in altre, contenimento dei costi. Quindi abbiamo certe scene meno importanti con inserti in cg decisamente sotto tono, appena decenti in poche occasioni; poi ci sono le scene centrali, specialmente l'inseguimento con le armature attraverso Parigi che, pur essendo comunque al di sotto dell'eccellenza, fanno la loro porca figura. Tutto il film è studiato per offrire ampie possibilità di un seguito, palese l'intento di Sommers di tornare in sella dopo aver ammazzato la sua Mummia, ciò rovina vari passaggi del film a causa degli ami lanciati e non recuperati: queste narrazioni condizionate si alternano a scene d'azione globalmente affascinanti, avrebbe potuto esserci più Snake Eyes e avrei preferito la sua versione commando piuttosto che quella esclusivamente ninja; anche Duke è un pò troppo quadrato, il resto funziona allegramente.

Emissaries from the Dead (Id, 2008): a volte il bisogno di marketing brucia gli angoli della fruizione di un prodotto, prendete per esempio questo romanzo dell'anno scorso. E' scritto da Adam-Troy Castro, un autore che, per citare alcune immortali parole, incarna il sogno americano: scrittore professionista, inizia la sua carriera elaborando testi non originali, romanzi di Spiderman, cazzate del genere, passa ai blog-riviste specializzate, scrive racconti, viene nominato ai premi più importanti. Emissaries non è il suo primo romanzo ma certo è il suo primo importante: l'editore EOS lo maltratta un pò, sotto il titolo piazza un mediocre ''An Andrea Cort Novel'', vuole suggerire serialità, colpire i cuoricini con pochi battiti alle spalle, coccolare le speranze di quei lettori che da tempo aspettano della fantascienza a ciclo aperto che possa rivaleggiare con il fulgore dei cugini fantasy, urbani o meno. L'opera di Castro è effettivamente qualcosa del genere, tradirne la natura nel titolo, considerando che viene parallelamente venduto come un SUPER THRILLER, provoca la palese consapevolezza relativa all'immortalità della protagonista. Sai già che alla fine vivrà. In un romanzo la cui trama tratta di un'investigazione dove l'assassino finisce inevitabilmente per dare la caccia anche al suo inseguitore, la scelta di tradirne l'esito finale ammazza quasi tutta la tensione. Non solo, l'impostazione di questo suggerimento lascia anche intendere che si tratti, in ogni caso, di una storia autoconclusiva: non c'e' un cliffhanger a nascondere una forse-morte nel prossimo libro, la protagonista alla fine vince. E' tutto scritto nel titolo, tolta la trama resta solo da capire se lo stile e le idee valgano la pena di mettersi a leggere. Non è una lettura all'ombra della grande ''T'' ma certo riposta nei confini della grande ''A'' della coppia ''YA'': non ci vuole un genio né impegno a leggere Emissaries, però ci sono alcuni riferimenti sessuali (non espliciti) e parecchia truculenza sanguinaria (niente di estremo ma qualche immagine forte); nel midollo Andrea Cort è un'investigatrice della classica Confederazione Spaziale Umana, la versione Castro di questo personaggio appartiene al corpo Diplomatico della Stessa e si fregia di essere un Judge Advocate: la sostanza non cambia. Andrea ha un passato di tragedia fuori dal comune, è piena di rancori e si autodefinisce un mostro omicida: la sua appartenenza al corpo non è volontaria ma obbligata, il suo passato la rende un'interessante asset per i suoi superiori. Sulla carta ci potrebbe essere in ballo una caratterizzazione insolita in arrivo, non è così: Andrea è banale e lo stile di Castro susciterebbe ridicoli sbeffeggi da parte di veri scrittori di thriller. La risoluzione degli enigmi avviene tutta secondo lo stesso, scemo, schema: Andrea va in giro, lotta e interroga, scopre i misteri. I misteri si scoprono ma non si spiegano da soli, allora Andrea dice: ''ah, già lo sospettavo, l'avevo capito fin dal primo momento'', quindi Castro intavola tutta la spiegazione del mistero svelato. In sintesi per tutto il romanzo Andrea fa la finta tonta, tipo Colombo, solo donna e stronza: poi quando tutti hanno capito il mistero arriva e fa la grossa, ah ma io lo sapevo già e conoscevo il nome dell'assassino prima ancora di sapere dell'omicidio. Se già questo non fosse abbastanza stupido e ripetuto fino al demenziale, la parte peggiore deve arrivare: Andrea viene a patti con il suo terribile passato, così, in un niente. Non sappiamo esattamente la sua età, c'e' un accenno a processi di ringiovanimento, è disegnata per allettare e quindi la riteniamo presumibilmente poco più che ventenne a livello psicologico: per decine di anni si è rifiutata a qualsiasi rapporto umano, ha odiato tutti e più di tutti se stessa per quello che aveva fatto. Poi di colpo, rivelazione nel mezzo, tutto passato. Il problema è la prevedibilità di quanto accade nel romanzo: Castro ha la decenza di non inventare o distorcere troppo la realtà, mantiene le premesse seminate dagli indizzi, il punto è che è tutto troppo facile. Non è una lettura calibrata per un lettore maturo, ora: mentre un film di due ora di demenza mi esalta il fanciullino sanguinario, un libro di trecento pagine di stupidità per lo intorpidisce e indispone. Il secondo romanzo è uscito da poco, dubito capiterà da queste parti. Ah, lo stile: Castro scrive sentenze molto brevi, periodi molto semplici, usa parole non troppo difficili e frequentemente le stesse; mi è capitato di cercare un paio di parole sul dizionario a inizio romanzo, poi più. Mai trovato un paragrafo che non fosse immediatamente banalmente comprensibile; nessun concetto complicato, nessun pensiero raffinato. Mi sono trascritto una simpatica citazione, la riporto: ''They were smarter than me, faster than me, more powerful than me, more advanced than me, and more dangerous than me. Against them, I had nothing but attitude.
But attitude I had plenty of.''
Bello, no? Peccato sia in bocca a una ventenne fasulla e mestruata.

The Haunted World of El Superbeasto: era una vita che gli americani mancavano di scheggiare il cinema con uno dei loro cartoni animati undeground per adulti dalla storia gloriosa, e infatti non ci sono riusciti neppure questa volta, le tette di cartone sono costrette a restare nel mercato dvd a causa dell'imperante perbenismo mainstream che fornisce all'uomo gli imprevisti mezzi per rimpiangere gli anni '80. Rob Zombie è una personalità che bisognerebbe tenere sempre inquadrata in uno spicchio del proprio radar, i suoi film horror sono riusciti a scolpire nella storia contemporanea l'unica (aspetto smentite) nuova serie originale del genere, i suoi remake di Halloween sono altamente apprezzati e si è rapidamente accaparrato un nutrito seguito di cultisti. La strada del cartone animato era la più probabile tra le possibili svolte artistiche. El Superbeasto è un luchador, sua sorella Suzie-X una specie di agente segreto con tanto di benda sull'occhio: vivono nel mondo di Monsterland, specie di universo misto alla warner toon con mostri e alieni e prodotti di cospirazioni tutti allegri e insieme, il tutto vieatato ai minori. Lo stile grafico ricorda vagamente Drawn Together, chiaramente non è un complimento: tecnicamente siamo molto indietro ma è vero che su una produzione di questo tipo guardare ai frame d'animazione è insensato quanto prenderne sul serio la trama, il senso è quello di mettere insieme tante scene pseudo-shock, divertirsi e tenere alto l'onore del pubblico di nicchia. Francamente non mi è piaciuto, mi sono piuttosto annoiato per l'assenza di appigli e l'eccesso di insensatezza, che poi sia un film da sponsorizzare e di cui parlare è un altro paio di maniche: indipendentemente dall'apprezzamento o meno del suo autore, il coraggio cinico e impuro di mettere insieme i soldi per realizzare qualcosa di simile è solo da incoraggiare.